Einige wichtige Fertigkeiten für das Theaterspielen

Handeln ist Kompetenz. Wie die meisten Fähigkeiten werden auch die Fähigkeiten der Theaterdarsteller durch regelmäßige Fähigkeiten unterstützt, aber das ist unzureichend. Wie würden Sie also Ihre schauspielerischen Fähigkeiten ausbauen und zu dem sicheren, fesselnden Charakter auf dem Bildschirm werden, nach dem Sie sich sehnen? Vor dem Ende dieses Artikels werden Sie einige Verfahren zu Ihrem Repertoire hinzugefügt haben, um Ihre schauspielerischen Fähigkeiten zu verbessern, indem Sie wenig Aufmerksamkeit darauf richten, wo Sie in Ihrem Beruf stehen. Keine der in diesem Artikel skizzierten Arbeiten erfordert die Ausgabe einer Menge Geld, erfordert jedoch eine engagierte und zentrierte Anstrengung.

Für diejenigen von euch, die denken, dass ihr nicht auf euer regelmäßiges Verhalten schießen könnt, ist das das Geheimnis. Ich werde alle wichtigen Bereiche der Schauspielarbeit abdecken, einschließlich Stimme, Entwicklung, Lernen, Inhaltsarbeit und Schauspiel.

Zahlreiche Zweitstudien zeigen, dass das Performance Center sie dazu veranlasst, die Gewissheit aufzubauen, die für ein klares, klares und lebhaftes Gespräch unerlässlich ist.

Das Auftreten vor einem Publikum zeigt Ihnen, wie Sie vor großen Menschenansammlungen offen für Gespräche sein können, und ein Teil Ihrer Veranstaltungsklassen wird Ihnen zusätzliche Erfahrungen beim Gespräch mit Versammlungen bieten. Außerdem hat Ihnen Ihre Arbeit in Teams gezeigt, dass vernünftige, genaue und effiziente mündliche Korrespondenzen ideal sind. Mündliche Beziehungsfähigkeiten sind für bestimmte Unternehmen so wichtig, dass sie die Führungskräfte regelmäßig zu außergewöhnlichen Workshops schicken. Du hast jetzt eine günstige Position und beste Soft Skills Ausbildung.

Anregung und Einsatzbereitschaft
Die Beschäftigung mit Theaterkreationen und -kursen erfordert Verantwortung und Inspiration. Das sind Eigenschaften, die die Mitarbeiter des Theaters und in gewissem Maße Sie und Ihre verwandten Zweitbesetzungen, höchstwahrscheinlich ab jetzt, haben. Durch das Modell ermutigen wir uns gegenseitig, dass die Leistung an die Individuen geht, die sich auf die zu erledigende Arbeit konzentrieren. Kaum eine andere Kontrolle, die Sie studieren, wird Ihnen so nachdrücklich helfen, Inspiration und Verantwortung zu schaffen.

Zahlreiche Theater-Unterstudien zeigen, wie man diesen Kredit vom Theater auf verschiedene Übungen, wie z.B. Klassen und Berufe, umtauscht. Für Bosse ist diese erhebende Geisteshaltung grundlegend.

Fähigkeit zur kooperativen Zusammenarbeit
Ihre Arbeit in Theaterorganisationen zeigt Ihnen, wie Sie mit verschiedenen Arten von Individuen lebensfähig arbeiten können – oft ganz unterschiedliche Arten!

Das Theater bittet die Mitglieder um eine angenehme Zusammenarbeit, damit die Generation vorankommt; es gibt keinen Platz für “wir” versus “sie” Verhalten; die “Sterndiva” ist ein Relikt vergangener Zeiten. Deine Partner werden es dir normalerweise sagen, wenn du die Kameradschaft einer Schöpfung missachtest.

Im Theater ist es wichtig, dass jeder Einzelne die anderen unterstützt. Unternehmen werden zufrieden sein, wenn sie erkennen, dass sie sehen, wie man eine kooperative Person ist.

Die Fähigkeit, selbständig zu arbeiten
Im Theater haben Sie häufig Unternehmen ernannt, die Sie ohne Aufsicht zusammenfassen sollten. Teamchef. Ich koordiniere. Diese Ebene aufbauen, diese Requisite finden, Darstellungen außerhalb der Praktiken erarbeiten. Es wird dir übergeben, um zu verstehen, wie man das Ziel am besten erreicht. Die Fähigkeit, frei zu arbeiten, ist eine Attributmanager-Suche in ihren Spezialisten, um Tipps zum Selbstvertrauen zu erhalten.

Fähigkeiten zur Zeitplanung

Wenn Sie eine Zweitbesetzung sind, bringt Sie die Verbindung zum Theater dazu, herauszufinden, wie Sie Ihre Zeit planen können. Du musst deine Tage rundum vorsichtig planen, um die Chance zu nutzen, dass du deine Auswertungen aufrechterhalten musst, während du dich mit Übungen, Arbeitsgesprächen und verschiedenen Anfragen beschäftigst, die das Auditorium für ein paar Minuten reserviert. Großartige Zeit die Board-Fähigkeiten sind enorm wichtig für Manager.

Aktivität

Stabschefs nennen Personen, die sich der Arbeit mit Aktivität nähern und “Selbststarter” wagen, Personen, die das tun, was verwaltet werden soll, ohne fest zu hängen, um gefragt zu werden, ohne zu warten, dass man es ihnen sagt.

Die Komplexität einer dramatischen Kreation erfordert Menschen, die begierig darauf sind, absichtlich jede Besorgung zu versuchen, die gemeinsam durchgeführt werden sollte, damit die Generation erfolgreich sein kann. Im Theater sind wir alle Selbststarter. Wir finden heraus, wie man sich auf den Teller stellt, ein Unternehmen von der ersten Idee zur Schlussfolgerung bringt – und das gut macht.

Schnelligkeit und Termintreue
Verspätungen sind im Theater nie ausreichend, da sie eine Abwesenheit von Selbstbeherrschung und umso wichtiger, eine Abwesenheit von Gedanken für andere Menschen darstellen. Wenn man zu spät zu einer Praxis oder einem Arbeitsaufruf kommt oder es versäumt, eine ausgebuchte Besorgung rechtzeitig abzuschließen, schadet das einer Generation und beeinflusst ungünstig die Arbeit zahlreicher anderer Personen. Das Theater bittet Sie, herauszufinden, wie Sie die Basis termingerecht erreichen und die gebuchten Zeitvorgaben einhalten können.

Das ist eine Berufseignung. Die Chefs anerkennen Arbeiter, die pünktlich sind und ihre Arbeit wie gebucht verrichten.

Respekt für Kollegen

Im Theater findest du, dass eine fruchtbare Schöpfung Verpflichtungen von jedem erfordert, der einbezogen ist. Die gemeinsame Betrachtung ist grundlegend. Wenn wir auf eine Kreation schießen, sind wir angewiesen, die Fähigkeiten und Fertigkeiten unserer Partner zu berücksichtigen und uns darauf zu verlassen. Ein geplanter Manager wird die Art und Weise schätzen, wie Sie die Bedeutung des Umgangs mit Ihren Kollegen eingeschätzt haben.

Vielseitigkeit und Flexibilität

Die Zweitbesetzung des Theaters muss vielseitig und anpassungsfähig sein. Du solltest glücklich sein, neue Gedanken zu versuchen, neue Schwierigkeiten anzuerkennen und dich darauf einzustellen, dass du immer Anzeichen von Veränderungen der Umstände und Bedingungen zeigst. In einer Kreation bist du vielleicht eine Person aus der Requisitengruppe; im Folgenden bist du vielleicht für Kosmetik, Aufmerksamkeit oder Filme verantwortlich; in einer dritten Generation hast du vielleicht einen Hauptjob.

Ein Arbeiter, der anpassungsfähig und anpassungsfähig ist, wird in den meisten Unternehmen überaus geschätzt; die beiden Eigenschaften zeigen, dass man in der Lage und bereit ist, neue Dinge anzunehmen.

Die Fähigkeit, unter Druck zu arbeiten.

Theaterarbeiten erfordern häufig längere Zeiträume. Es gibt Gewicht – häufig, wie Sie wahrscheinlich gut wissen, eine Tonne Gewicht. Es ist wichtig, dass jeder, der bei der Schöpfung gefordert wird, die Fähigkeit hat, eine hilfreiche und energetische Denkweise unter Belastung aufrechtzuerhalten. Die Fähigkeit, unter solchem Druck ausgeglichen zu bleiben, ist ein Vorteil, der es Ihnen ermöglicht, sich an die Sorgen in verschiedenen Teilen Ihres Lebens anzupassen, einschließlich Ihrer Tätigkeit als Theaterdarsteller.

Bewertung: Fidor Bank Deutschland

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Über die Erfahrungen der Menschen mit der in Deutschland ansässigen europaweiten Online-Bank N26 gibt es eine ganze Reihe von Beiträgen , aber nicht so viele über Fidor, eine andere deutsche Online-Bank, die Kontoinhaber aus dem Ausland akzeptiert und tatsächlich älter ist als N26. Kein Wunder, denn die Website unterstützt nur die deutsche Sprache. Dieser Beitrag dient als Rückblick auf meine persönlichen Erfahrungen mit der Bank sowie als Leitfaden für alle anderen, die ein Konto eröffnen möchten.
Beachten Sie, dass diese Bewertung nur die auf fidor.de gehostete Fidor Bank Germany (https://www.atkearney361grad.de/kreditkarten/fidor-smartcard/) und nicht die auf fidorbank.uk gehostete Fidor Bank UK betrifft .

Anmeldung

Im Gegensatz zu den meisten Banken unterscheidet der Registrierungsprozess tatsächlich zwischen Vor- und Zweitnamen. Als jemand, der seinen zweiten Vornamen verwendet, ist das für mich immer etwas knifflig. Wenn nur ein Feld angegeben ist, versuche ich, nur meinen zweiten Vornamen zu verwenden, aber dies wird immer in beide Namen geändert, nachdem die tatsächliche ID-Überprüfung stattgefunden hat. Die einzige Ausnahme war N26, aber ich kann mir keinen anderen Online-Zahlungsdienst vorstellen, der nur meinen zweiten Vornamen akzeptiert.
Ich war mir nicht sicher, wie ich vorgehen sollte, da das Vorname-Feld als “Vorname (Rufname)” aufgeführt war, wobei “Rufname” “anrufender Name” bedeutet. Das Feld für den zweiten Vornamen hieß “Weitere Vornamen”. Am Ende habe ich meinen Vornamen in das Feld “Vorname” und meinen zweiten Vornamen in das Feld “Weitere” eingetragen, aus Angst, meine Namen könnten sich sonst umkehren. Leider bedeutet dies, dass alle ausgehenden Übertragungen unter “Vorname Nachname” aufgeführt sind, aber es schien trotzdem die richtige Wahl zu sein.
Auf Anfrage einer MasterCard lauteten meine Benennungsoptionen „First Last“, „First M. Last“ und „Middle Last“. Andere Konfigurationen waren nicht verfügbar.
Ein großes Lob an Fidor für die Berücksichtigung derjenigen von uns, die ihren zweiten Vornamen verwenden, und die Erlaubnis, eine Karte zu bestellen, auf der nur mein zweiter Vorname aufgeführt ist. Wenn jemand Lust hat, sich mit vertauschten Namen zu registrieren, damit sein zweiter Vorname auch in seinem Konto aufgeführt wird, hinterlasse bitte einen Kommentar, der mir sagt, wie es gelaufen ist.
Nach der Registrierung müssen Sie Ihre Adresse eingeben. Dies zeigt, dass die Website nicht ausschließlich für Benutzer außerhalb Deutschlands erstellt wurde, da ich meine Postleitzahl nicht eingeben konnte.

Eine deutsche Postleitzahl besteht aus 5 Ziffern, während eine niederländische Postleitzahl aus 4 Ziffern und 2 Buchstaben besteht. Am Ende musste ich 4 Ziffern in das Feld “PLZ” eingeben und die Buchstaben in das Feld “Ort” einfügen.

Kein Problem, da es sowieso nur auf einen Umschlag gedruckt wird, aber auf jeden Fall etwas, das neue Benutzer abschrecken könnte.

Nachprüfung

Dann kam der Videoüberprüfungsprozess. Die Servicemitarbeiter sprachen alle sehr gut Englisch, aber es war ein bisschen umständlich. Beim ersten Versuch habe ich keine Texte erhalten, deshalb habe ich es am nächsten Tag erneut versucht. Dann vergaß der Servicemitarbeiter, eine ihrer Leitungen zu sprechen, und musste mich trennen, da der gesamte Vorgang von Grund auf neu gestartet werden musste. Ich hatte auch Probleme, mein perfekt anständiges Telefon dazu zu bringen, sich auf meinen Ausweis zu konzentrieren, sodass sie ein Foto machen konnten. Weißt du, das übliche Zeug, wenn du jemals mit IDNow, Postident usw. zu tun hattest. Aber irgendwann gelang es mir durchzukommen und mein Konto wurde aktiviert.
Eifrig darauf bedacht, meine SmartCard zu erhalten, bestellte ich sofort eine, die abgelehnt wurde, da ich meine Kreditwürdigkeit noch nicht nachgewiesen hatte. Die Kreditwürdigkeit kann durch Nutzung des Kontos für mindestens 3 Monate nachgewiesen oder durch Boniversum beschleunigt werden, wenn Sie in Deutschland leben.
Leider war es eine Art Catch-22-Situation, meine Kreditwürdigkeit zu beweisen. Ich wollte Fidor nicht als mein primäres Bankkonto ohne eine Maestro / MasterCard-SmartCard für POS-Einkäufe verwenden, aber ich wäre nicht in der Lage, diese SmartCard zu erhalten, ohne Fidor als mein primäres Konto zu verwenden.
In den nächsten 3 Monaten habe ich versucht, meine Kreditwürdigkeit zu beweisen, indem ich einige Lastschriften eingerichtet und Geld von meinem Hauptkonto überwiesen habe, um diese zu bezahlen. Ich würde hier und da auch die digitale MasterCard verwenden. Am Ende war dies erfolglos, da ich nach 3 Monaten immer noch abgelehnt wurde.
Dann bekam ich einen neuen Job und ich dachte, dies wäre der richtige Zeitpunkt, um ihnen meinen Fidor-Account zu geben, da das sicherlich den Trick machen würde. Sicher genug, nachdem ich ein paar Monate mein Gehalt auf das Konto überwiesen hatte, konnte ich endlich die SmartCard bestellen.
Ich möchte darauf hinweisen, dass Sie in einem Land mit hoher MasterCard-Akzeptanz auch die Möglichkeit haben, die physische Debit MasterCard für 15 EUR pro Jahr zu bestellen und diese zum Nachweis Ihrer Kreditwürdigkeit zu verwenden.

Die SmartCard

Was viele an der Fidor SmartCard nicht merken, ist, dass der Maestro-Teil eine Debitkarte ist, der MasterCard-Teil eine technisch einwandfreie Kreditkarte mit einem Limit von 1000 Euro. Debit MasterCards sind heutzutage allgegenwärtig, müssen jedoch an der Verkaufsstelle online verbunden sein und eine niedrigere Akzeptanzrate aufweisen. Viele haben zum Beispiel Schwierigkeiten, Autos zu mieten. Die Tatsache, dass Fidor Ihnen tatsächlich eine ordnungsgemäße Offline-MasterCard zur Verfügung stellt, ist ein großer Segen für den Service.
Trotzdem habe ich gehört, dass Hybridkarten beim Umgang mit veralteten POS-Systemen ihre eigenen Probleme haben, was mich nicht überrascht, da ich meine europäischen PIN-geschützten Kreditkarten im Ausland selten verwenden konnte. Die große Ausnahme war Südkorea, wo ich nur meine Karte aushändigen musste, eine Zeichnung auf einem Punktmatrix-Bildschirm anfertigte und irgendwie genug, um eine Pizza zu kaufen. Leider hatte ich noch keine Gelegenheit, meine Fidor SmartCard im Ausland zu nutzen. Daher kann ich nur auf meine Erfahrungen mit der Verwendung vor Ort in den Niederlanden eingehen.
Es war gewöhnungsbedürftig. Beim Einstecken muss ich zwischen MasterCard und Maestro wählen, wobei MasterCard die Standardeinstellung ist. Das heißt, ich muss immer zuerst die Schaltfläche „Menüauswahl“ finden, aber da die gesamte POS-Hardware in diesem Land nur von einem oder zwei Unternehmen bereitgestellt wird, gewöhnt man sich sehr schnell daran.
Ich konnte kontaktlose Zahlungen überhaupt nicht zum Laufen bringen und konnte in meinem Konto keine Option zum Ein- und Ausschalten finden. Kontaktloses Bezahlen ist nur mit MasterCard möglich. Dies bedeutet, dass die Verwendung der SmartCard um ein Vielfaches langsamer ist als das Greifen einer meiner Maestro-Karten.
Eine Sache, die erwähnt werden muss, ist, dass, während die digitale MasterCard keine Umrechnungsgebühr berechnet, die SmartCard dies tut. Meine digitale MasterCard wurde beim Aktivieren der SmartCard sofort deaktiviert, aber die Option, eine neue anzufordern, bleibt in meinem Konto verfügbar. Ich habe es nur aus Angst, meine SmartCard zu deaktivieren, nicht selbst ausprobiert.

Die Webseite

Die Website ist natürlich in deutscher Sprache. Da ihr britischer Amtskollege dieselbe Website verwendet, jedoch auf Englisch, scheint es eine bewusste Entscheidung von Seiten Fidors zu sein, keine offizielle Übersetzung auf der deutschen Website bereitzustellen. Glücklicherweise hat Google Translate einen langen Weg zurückgelegt und kann die Website bei Bedarf perfekt übersetzen.
Die Benutzeroberfläche ist etwas überladen und fühlt sich sehr “upselly” an. Nach dem Einloggen werden Sie sofort mit Edelmetallen, Kryptowährung, Versicherungen, Krediten, Devisen usw. konfrontiert. Es ist jedoch kein allzu großes Problem, da ich meistens nur auf die Registerkarte „Umsätze“ klicke, um meine Transaktionen anzuzeigen, was viel sauberer ist als die „Cash Manager“ -Standardseite.
Insgesamt bevorzuge ich jedoch als jemand, der die meisten Funktionen von Fidor nicht nutzt, die minimalistischere Oberfläche von N26.

Die App

Das Erhalten der App erwies sich als etwas problematisch. Es wird überall auf der Fidor-Website beworben, wurde jedoch als “inkompatibel” mit meinem Gerät aufgeführt, wenn ich von meinem niederländischen Google-Konto aus darauf zugreife, und wurde nicht in der Google Play-App aufgeführt.

Ich musste mich bei einem VPN-Dienst anmelden, einen deutschen Server auswählen und ein völlig neues Google-Konto registrieren, damit es von Google als Deutsch registriert wurde. Dies war die einzige Möglichkeit, das APK sicher aus dem App Store zu installieren.
Dies ist ein schwerwiegendes Versehen seitens Fidors und völlig unnötig, wenn dies absichtlich getan wird. Alles, was es tut, ist seine internationalen Benutzer dazu zu drängen, eine potenziell unsichere APK aus dem Internet zu holen.
Die App selbst funktioniert ein bisschen anders als ich es gewohnt bin. Bei der ersten Anmeldung werden Sie aufgefordert, eine vierstellige PIN einzurichten und anzugeben, ob Sie 1 Minute, 1 Tag oder 14 Tage angemeldet bleiben möchten. Natürlich habe ich eine Minute gewählt, unter der Annahme, dass die PIN zum erneuten Anmelden verwendet wird. Es stellt sich heraus, dass bei jedem Login Ihr vollständiges Passwort verwendet wird, während die PIN nur für Transaktionen verwendet wird.
Zuerst war ich ein bisschen verblüfft, aber beim zweiten Gedanken ist es nicht wirklich wichtig. Wenn jemand auf mein Telefon zugreifen kann, muss er sich größere Sorgen machen, als sich meine Transaktionen anzeigen zu lassen.
Die Benutzeroberfläche ist heutzutage Standard für Banking-Apps, und die App sollte auch kontaktloses Bezahlen unterstützen, was ich selbst mangels eines NFC-fähigen Telefons nicht testen konnte.
Insgesamt bin ich mit der Bank sehr zufrieden und verwende sie derzeit als mein Hauptkonto. Ich musste mich nur einmal mit dem Kundendienst in Verbindung setzen, um meine FIN (Fidor Identification Number) zurückzusetzen, die zum Ändern Ihrer persönlichen Daten verwendet wird. Dies konnte jedoch durch Senden eines PDF-Formulars per E-Mail erfolgen. Innerhalb von 24 Stunden hatte ich eine neue FIN. Also noch keine Beschwerden da.
Gibt es wichtige Gründe, es gegenüber der bekannteren N26 Bank zu verwenden, die aufgrund der offiziellen englischen Unterstützung wahrscheinlich einfacher zu bedienen ist? Für die meisten Menschen ist dies wahrscheinlich nicht der Fall, obwohl die Ausstellung einer ordnungsgemäßen Offline-MasterCard für manche von entscheidender Bedeutung sein kann.

David Chipperfields Berliner Tempel: “Wie der Aufstieg in das Reich der Götter”.

Friedrich Wilhelm IV. beschrieb seine Vision von der Museumsinsel Berlin als “kulturelle Akropolis”; ein heiliges Heiligtum für Kunst und Wissenschaft, das die preußische Hauptstadt als Athen des Nordens zementieren sollte. Fast zwei Jahrhunderte später wurden seine klassischen Wünsche vom britischen Architekten David Chipperfield in Form eines strahlend weißen Tempels erfüllt. Die James Simon Gallery, die an diesem Wochenende nach 20 Jahren Planung eröffnet wird, hat einen Wert von 134 Mio. € (120 Mio. £) Parthenon-on-Spree und bildet einen attraktiven neuen Zugang zu einem der wichtigsten Kulturschätze der Welt.

“Wir waren ziemlich nervös”, sagt Chipperfield und steht in der hoch aufragenden neuen Ticketing-Lobby, wo Sonnenstrahlen zwischen den schlanken weißen Säulenreihen draußen einfallen. “Die Herausforderung bestand darin, etwas zu schaffen, das seinem Kontext und auch unserer Zeit entspricht, an diesem unglaublich sensiblen Ort.”

Er hatte guten Grund, ängstlich zu sein. Sein erster Entwurf, der 2006 vorgestellt wurde, wurde von deutschen Kritikern als grob falsch eingeschätzt für das Unesco-Weltkulturerbe kritisiert. Die durcheinandergewürfelte Gruppe von Glaskästen wurde von einem prominenten Journalisten in einer Tirade, die unter der Überschrift “Nicht so, Mr. Chipperfield!” veröffentlicht wurde, mit “einer verherrlichten öffentlichen Toilette” verglichen.

Monumental…. der Blick auf den Haupteingang

Die 65-jährige Architektin ist kein Unbekannter in der Berliner Kultur der heftigen öffentlichen Debatte. Mehr als ein Jahrzehnt lang hat er an der Umsetzung der viel beachteten Transformation des Neuen Museums gearbeitet und renoviert nun die Neue Nationalgalerie von Mies van Der Rohe, ein Allerheiligstes der Architekten. “Es ist erfrischend, dass Architektur hier so heftig diskutiert wird”, sagt er und beklagt das, was er als Mangel an ernsthafter öffentlicher Diskussion über die bebaute Umwelt in Großbritannien sieht. “Sie halten deine Füße wirklich an das Feuer, das zu diesem Zeitpunkt schmerzhaft ist, aber die Arbeit ist besser dafür.”

Sein Team ging zurück zum Reißbrett und nahm klassische Signale von den Nachbarn auf, wobei es sich an der breiten Eingangstreppe des Alten Museums von Friedrich Schinkel, der vereinheitlichenden Kolonnade von Friedrich August Stüler und dem schweren Steinsockel des Pergamonmuseums nebenan orientierte. Diese Elemente wurden geschickt zu einer ganz eigenen Struktur synthetisiert, einer Art zurückgenommenem, etioliertem Klassizismus, der gleichzeitig imposant und zart ist. Das Ergebnis ist eine seltsam skalierbare Struktur, die aus manchen Blickwinkeln monumental, aus anderen dinkbar erscheint und deren eigentliche Aufgabe unter der Erde verborgen ist.

Benannt nach einem der produktivsten jüdischen Spender des 19. Jahrhunderts für die Sammlungen der Museen (eine Geste, die die Anerkennung der vielen anderen Spender zum Ziel hatte, die in der Nazizeit aus der Geschichte gestrichen wurden), bietet das Gebäude Platz für die praktischen Funktionen, die nicht in die umliegenden Museen passten. Es war eine lange Einkaufsliste: Ticketing, Loos, Garderoben, Shop, Cafe, Auditorium und Galerie für Wechselausstellungen, von denen sich einige etwas in die enge Umgebung gezwängt fühlen. Chipperfield beschreibt es pragmatisch als “eine Art U-Bahn-Station”, die als zentrale Eingangszentrale mit unterirdischen Verbindungen zu den umliegenden Gebäuden dient. Ein Tunnel führt nun zum Neuen Museum, und ein großes Portal führt direkt zum Pergamon, obwohl die anderen Verbindungen eine Aufgabe für zukünftige Generationen sind.

In dem Bestreben, es als “Mülleimer mit Nutzungen zu sehen, die nirgendwo anders hinpassten”, haben die Architekten ihr Gebäude mit Grandiosität in Eimerladungen ausgestattet: Der Eintritt in diese funktionale Unterwelt ist eher dem Aufstieg in ein Reich der Götter gleich. Eine breite Treppe führt in drei Flügen zu einer Art Tempelberg, einem Hochplateau, auf dem Ticketschalter und ein Café auf eine Terrasse mit Blick auf den Kupfergraben hinauslaufen. Chipperfield beschreibt es als “zwecklosen Raum”, ein bürgerliches Deck, auf dem die Menschen kostenlos die Aussicht genießen und zwischen den surreal dünnen Säulen schlendern können – eine Reihe von 70 weißen Betonstreichhölzern, die fast neun Meter hoch, aber weniger als 30 Zentimeter dick sind.

Es ist ein beeindruckender Anblick, der am Ende des Blicks auf den Kanal zu sehen ist, aber marschierende Reihen von dünnen, quadratischen Säulen zaubern hier in Deutschland unbequeme Anspielungen. Die lange Kolonnade hat unausweichliche Anklänge an das Werk des nationalsozialistischen Architekten Albert Speer, insbesondere an sein Rallyepark in Nürnberg. “Wir wurden in der Vergangenheit als faschistisch bezeichnet”, sagt Chipperfield und verweist auf die Kontroverse um sein 2006 erbautes Museum für Neuere Literatur in Marbach, das auch ausgesprochen speerianische Säulen trug. “Nach dem Krieg durften die Deutschen keine Säulen benutzen, weil sie durch die Assoziation so verunreinigt waren. Die Tatsache, dass ich ein englischer Architekt war, hat[meinem Kunden] eine gewisse Erleichterung gebracht – “Nun, wenn er sagt, dass wir es schaffen können, dann ist es in Ordnung. Wir haben versucht, die Sprache auf eine sehr neutrale, minimale Weise zu verwenden.”

Im Inneren gibt es eine Raffinesse in der Verwendung von Materialien, von denen Speer nur träumen konnte. Eine riesige, nur 6 mm dicke Wand aus transparentem weißen Marmor wirft ein helles, milchiges Licht in die Eingangshalle. “Wir wollten, dass die Betonstruktur des Gebäudes freigelegt und dann mit reich verzierten, von der Natur geformten Oberflächen ausgekleidet wird”, sagt Alexander Schwarz, Design-Direktor von Chipperfields Büro in Berlin, ein Geigenbauer-Dreher-Architekt, dessen Aufmerksamkeit für materielle Details aus allen Ecken des Projekts kommt. Das Auditorium mit 300 Plätzen ist ein Mini-Meisterwerk mit Betonwänden, die in plissierten akustischen Falten gegossen werden, und einer Decke, die in drei dunkle Holzwellen wie ein drapierter Stoff eintaucht. Anderswo sind die hauchdünnen Stahlbänke mit hellem Leder gepolstert, während die dunkel patinierte Bronze den Türen eine gewichtige Note verleiht (im wahrsten Sinne des Wortes – sie sind unglaublich schwer zu öffnen).

Es singt alles mit der verführerischen Chipperfield-Marke der zurückhaltenden Opulenz, aber es gibt im ganzen Gebäude einen leichten Sinn, dass architektonische Gesten manchmal die praktische Funktion außer Kraft setzen. Die Verkehrsflächen sind großzügig, aber die neue 600 Quadratmeter große Galerie für temporäre Ausstellungen fühlt sich in eine Ecke geschoben, unbequem lang und schmal. Eine charmante Treppe führt entlang der kanalseitigen Fassade zum Wasser hinunter und suggeriert die romantische venezianische Möglichkeit der Anreise mit dem Boot, aber leider ist es nichts dergleichen: Hier dürfen keine Boote anhalten. “Es ist eine Affektiertheit”, gibt Chipperfield zu. “Eine menschliche Geste, um vorzuschlagen, dass das Gebäude seinen Zeh ins Wasser taucht.” Mit einer stimmlichen Kampagne, bei der dieser Abschnitt der Wasserstraße in einen öffentlichen Badeort verwandelt wird, könnte es der perfekte Ort für Badegäste sein, um die Stufen zum Sonnenbaden auf der Terrasse zu füllen – ein Vorschlag, der die Museumsleitung zittern lässt, wenn sie an Menschen denkt, die in tropfenden Badehosen in ihrer heiligen kulturellen Zitadelle ankommen.

Das ist schade, denn es könnte einen Hauch von Berlins eher bohemischem, freilaufendem Geist vertragen. Es ist ein elegantes und sehr gut verarbeitetes Gebäude, aber es fühlt sich etwas kühl an, geparkt am Ufer des Wassers wie eine Superyacht. Mit etwas Glück kommen die Schwimmer auf ihre Kosten, und die glänzende Akropolis wird ihrer Absicht gerecht, ein wirklich einladender bürgerlicher Raum zu sein.

8 Wege, um Ihren Food-Blog zu bewerben

Einer der wichtigsten Aspekte bei der Entwicklung einer umsetzbaren Werbestrategie ist die Zerlegung von To-Dos in mundgerechte Stücke. Während viele Werbetechniken Strategie und Zeit erfordern, gibt es viele Möglichkeiten, kleine Aufgaben in Ihren Tagesablauf zu integrieren. Wir möchten Ihnen helfen, das Beste aus Ihrer Zeit zu machen, die kleine, aber äußerst nützliche Aufgaben beinhaltet, die erledigt werden können, bevor Sie vollständig in Ihren Tag starten.

Gießen Sie Ihren Morgenbecher Kaffee und nehmen Sie eine (oder einige) dieser super einfachen Aufgaben der Selbstdarstellung in Angriff:

1. Nehmen Sie an einer Twitter-Konversation teil – oder beginnen Sie damit.
GiveWP leistet dazu einen großartigen Beitrag mit #NPChat, einem wöchentlichen Twitter-Chat jeden Mittwochmorgen. Sie wählen ein Thema aus, teilen im Voraus, welche Fragen sie in einem Blogbeitrag (und fördern das Event) stellen wollen, und veröffentlichen die Fragen dann auf Twitter, sowie die Antworten.

Scheint das zeitintensiv zu sein? Mit ein wenig Vorausplanung ist es das nicht. Wenn Sie die Fragen im Voraus schreiben, können Sie sie auch in Ihrer bevorzugten Social Media Management Plattform im Voraus planen. Das bedeutet, dass du an deinem gewählten Morgen nur noch Antworten zurücksenden und auf alles antworten musst, was relevant erscheint. Auch wenn es nur eine halbe Stunde dauert, knüpfen Sie Verbindungen zu gleichgesinnten Influencern, lassen sich inspirieren und fördern dabei Ihre eigene Marke.

Wenn Sie sich nicht für das Hosting Ihrer eigenen Website interessieren (oder wenn Sie ein Anfänger sind und sich Sorgen machen, dass Sie noch nicht über das Netzwerk dafür verfügen), recherchieren Sie und finden Sie einen Twitter-Chat, der relevant für das ist, worüber Sie bloggen! Du könntest dich auch immer mit anderen Bloggern zusammenschließen, um die Verantwortung für das Hosting eines laufenden Twitter-Chats zu übernehmen und die Arbeit (und die Promotion!) zu verteilen.

2. alles zum thema kochen
Ich weiß nicht, wie es dir geht, aber ich neige dazu, zu vergessen, dass meine E-Mail-Signatur überhaupt existiert. Während Sie eine E-Mail-Signatur haben sollten, die auf Ihre Hauptseite verlinkt, gibt es eine andere Möglichkeit, die Treffer in neuen Blog-Einträgen zusammenzufassen.

Aktualisieren Sie Ihre E-Mail-Signatur schnell und fügen Sie einen Link zu Ihrem letzten Blogbeitrag hinzu. Stellen Sie sicher, dass Sie den Titel des Beitrags hinzufügen, und Sie können sogar einen kleinen Klappentext einfügen, um Interesse zu wecken, genau wie Sie es mit der Förderung auf sozialen Plattformen tun würden.

3. Werben Sie für die Arbeit anderer Blogger in Ihren sozialen Netzwerken.
Hier können Twitter-Listen oder ein guter RSS-Feed-Reader wirklich nützlich sein. Wenn Sie eine Twitter-Liste oder Ihre Lieblingsblogs in einem RSS-Feed-Reader zusammengestellt haben, können Sie jeden Morgen hineingehen und sehen, welche neuen Beiträge aus Ihrem kuratierten Netzwerk von Bloggern veröffentlicht wurden.

Wenn du etwas siehst, das dir gefällt, nimm dir einen Moment Zeit, es zu teilen und sie im Beitrag zu markieren. Es wird nur wenige Augenblicke dauern und kann Ihnen helfen, bestehende Beziehungen aufzubauen und neue aufzubauen. Teilen Sie von Menschen, die Ihre Arbeit gefördert haben, und teilen Sie die Arbeit von Traumverbindungen.

4. Hinterlasse ein paar Kommentare
Da du bereits einen schnellen Scan von neuen Blog-Posts machst, nimm dir einen Moment Zeit, um Feedback zu hinterlassen. Wir alle wissen, wie befriedigend es ist, einen nachdenklichen Kommentar zu erhalten, der Ermutigung beinhaltet oder eine Antwort auf eine von uns gestellte Frage gibt. Viele von uns, die live für das Gespräch bloggen, also seien Sie dabei!

Dies bringt Sie nicht nur auf den Radar derjenigen in Ihrem Traumnetzwerk, sondern schafft auch die Möglichkeit, sich mit Ihrer eigenen Arbeit zu verbinden. Wenn du deine Gedanken zu einem ähnlichen Thema veröffentlicht hast, füge den Link hinzu! Wenn nicht, können Sie zumindest Ihren Website-Link unter dem entsprechenden Abschnitt mit Ihren Informationen einfügen.

5. Machen Sie ein ICYMI
Wenn Sie kürzlich einen Beitrag veröffentlicht haben, schadet es nie, ein ICYMI zu machen (Falls Sie es verpasst haben). Alles, was Sie tun müssen, ist “ICYMI” an die Spitze Ihrer Freigabe zu setzen und den Beitrag neu zu verlinken.

Dies ist besonders gut für soziale Feeds wie Twitter, wo sich die Informationen so schnell bewegen, dass sie sich oft im Lärm verlieren können. Sie können ein zusätzliches Update erhalten, einige Hashtags hinzufügen, die Sie vielleicht nicht zur ersten Runde der Freigabe hinzugefügt haben, und Leute zu einer anderen Tageszeit als bei der ersten Veröffentlichung erwischen.

6. Senden Sie schnelle Vorschläge für den Austausch von Inhalten.
Auch hier ist ein wenig Vorarbeit erforderlich, aber sobald das erledigt ist, ist es leicht zu implementieren. Schreiben Sie eine kurze E-Mail-Vorlage, die sowohl als Einführung als auch als Vorschlag für den Austausch von Inhalten dienen kann. Es muss nicht lange dauern!

Hier ist, was du in dein Intro aufnehmen möchtest:
Dein Name (offensichtlich!)
Ein Link zu Ihrer Website
Ein allgemeiner Überblick über die Art der Themen, die Ihr Blog abdeckt.
Ein paar Informationen über Ihr Publikum (Denken Sie daran, wir haben einige davon abgedeckt, wie Sie gesponserte Inhalte bewerten können! Benutzen Sie diese Informationen auch hier!)
Sobald Sie dieses geschrieben haben, können Sie es immer und immer wieder verwenden. Natürlich werden Sie es im Laufe der Zeit mit aktualisierten Informationen optimieren wollen, aber es wird Ihnen mindestens drei bis sechs Monate lang helfen, bevor Sie es erneut ändern müssen.

Als nächstes, wenn es um den Angebotsteil der E-Mail geht, werden Sie ein wenig mehr Arbeit machen wollen, um ihn zu personalisieren.

Achten Sie darauf, dass Sie Folgendes angeben:

Wie Sie ihren Blog gefunden haben
Was interessiert dich an ihrem Schreiben?
Warum Sie mit ihnen zusammenarbeiten wollen
Wie Sie gegenseitig profitieren können
Es ist entscheidend, diese persönliche Verbindung hinzuzufügen. Sobald Sie die allgemeine Vorlage geschrieben haben, ist es leicht, ein paar Sätze zu schreiben. Fügen Sie dies als ein einmal pro Woche (oder sogar einmal pro Woche) Morgenritual zusammen mit Ihrem Kaffee hinzu, und Sie können mit dem Austausch von Inhalten beginnen.

Der Austausch von Inhalten hilft auf mehreren Ebenen. Es bringt Sie nicht nur einem größeren Publikum näher, sondern hilft auch bei Linkbacks. Es bietet Ihnen auch zusätzliche Inhalte von der anderen Person und baut eine kollaborative Beziehung mit ihr auf.

7. Nehmen Sie an einer Facebook-Netzwerkgruppe teil.
Während die meisten Menschen damit vertraut sind, ihre Arbeit auf Facebook zu bewerben, sind Facebook-Gruppen ein unterschätztes Gut. Es gibt eine Vielzahl von Netzwerkgruppen da draußen; wir betreiben sogar eine eigene.

Einige Facebook-Gruppen haben strenge Regeln für rein selbstproduzierende Beiträge, also stellen Sie sicher, dass Sie die Regeln Ihrer Gruppe kennen, bevor Sie direkt eintauchen.

Wenn das Posten von Links zu relevanten Blog-Posts in Ordnung ist, ist es super einfach, direkt hereinzukommen und einen aktuellen Blog-Post zu teilen. Stellen Sie sicher, dass Sie auch einen kleinen Klappentext einfügen und ihn spezifisch für die Gruppe machen, damit er nicht nur wie Spam aussieht.

Wenn es nicht in Ordnung ist, bestimmte Links zu teilen, finden Sie andere Möglichkeiten, sich zu engagieren! Beginne ein Gespräch, stelle eine brennende Frage und springe mit deiner eigenen Einsicht in die Beiträge anderer. Obwohl es keine direkte Verbindung zu Ihrer Website hat, kann es dennoch Vorteile bringen, indem es Ihren Namen herausbringt und sich mit Gleichgesinnten verbindet.

8. Schreiben Sie eine kurze E-Mail für Ihre Liste.
Alle deine Beiträge sollten an deine E-Mail-Liste gesendet werden, also nimm dir einen Moment Zeit, um eine kurze E-Mail zu schreiben, die deine Beiträge neckt, die bald veröffentlicht werden. Auch wenn es nur ein paar Zeilen sind, mit einem Link zurück zum Beitrag, ist eine gute Möglichkeit, die Aufmerksamkeit auf die Beiträge zu lenken, die veröffentlicht werden.

Du möchtest sicherstellen, dass dein Publikum deine Beiträge sieht, auch wenn es sich an diesem Tag nicht bei Facebook einloggt, und sie direkt an diejenigen zu senden, die sich für deinen Newsletter angemeldet haben, ist eine fantastische Möglichkeit, ihre Aufmerksamkeit zu erregen. Nimm dir einen Moment Zeit, um dir die Beiträge anzusehen, die du für diese Woche geplant hast, und schreibe eine schnelle Explosion dafür. Auf diese Weise haben Sie, wenn Sie zur Veröffentlichung bereit sind, bereits einen Entwurf gespeichert. Alles, was Sie tun müssen, ist, den Link einzufügen und auf Senden zu klicken.

Selbstdarstellung kann eine super überwältigende Aufgabe sein. Die meisten Menschen mögen es nicht wirklich, es zu tun; es kann sich unangenehm und unhandlich anfühlen. Hoffentlich werden diese kleinen Aufgaben dazu beitragen, die Selbstdarstellung in den Alltag zu integrieren und so zu integrieren, dass sie zugänglich und einfach ist.

Félix Vallotton: Painter of Disquiet Review – eine einzigartig seltsame Vision

In einem transfixierenden Bild des Schweizer Künstlers Félix Vallotton (1865-1925) ist eine Frau in einem langen roten Kleid eng mit einem schwarz bekleideten Mann auf einem Sofa verbunden. Sie legt ihren Kopf auf seine Schulter, den Mund an sein Ohr. Er schließt ihre Taille und lehnt sich in ihr Flüstern. Alles scheint auf eine schöne Romanze eingestellt zu sein.

Aber sie rutscht ihm fast vom Knie, und es ist unmöglich zu wissen, ob sie murmelt, da der größte Teil ihres Gesichts im Schatten liegt; so wie es unmöglich ist zu wissen, ob er zuhört – oder intrigiert. Seine Augen sind, wie es scheint, verzückt geschlossen, aber seine Augenbrauen sind auffallend gewölbt und sein Mund erscheint verdächtig selbstgefällig. Das Bild heißt The Lie.

Wer lügt also, und was ist die Lüge? Dass sie ihn für sich selbst liebt, nicht sein Geld, dass er sie auch liebt, dass er sie wirklich eines Tages heiraten wird? Dass es sonst niemanden gibt? Die Komposition ist geteilt – auf der einen Seite das Paar, auf der anderen der Druck, ein scharlachrotes Dekor anzudeuten – so wie das Bild sein Publikum teilt. Ist es der Mann oder die Frau (oder beides), die die Lügen erzählt?

Vallotton ist ein eigenständiger, seltsamer Fall; sehr berühmt in seiner Heimat Schweiz, hier kaum zu sehen. Die letzte britische Ausstellung fand 1976 statt. Seine Werke sind über ganz Europa verstreut, zu oft in privaten Sammlungen. Eines der größten und verblüffendsten Gemälde an der Royal Academy ist das Kaufhaus Bon Marché in Paris, berühmt aus Zolas Roman The Ladies’ Delight, das voller Käufer und farbenfroher Waren ist – Sonnenschirme, Flaschen, Bänder, Süßigkeitenpyramiden -, die alle im Gaslicht leuchten. Sie ist normalerweise in einer Schweizer Bank versteckt.

Vallotton wurde in einer strengen protestantischen Familie in Lausanne geboren und floh im Alter von 16 Jahren zum Kunststudium nach Paris. Die Stadt bleibt eine ewige Neugierde. Es gibt seltsame Vignetten – ein Gemälde einer verschleierten Frau, deren Pudel auf dem Boulevard in die fremdeste Form springt; ein schillerndes Scrum von modischen Parisern, die auf etwas starren, was ihre Obsession vor unseren Augen verdunkelt. Kleine Kinder versuchen sehr oft, von ihren Eltern wegzukommen.

Vallotton bemerkt das Aufkommen des öffentlichen Telefons, die Strenge der neuen elektrischen Beleuchtung, die Schlägerei im Café, wo der weiß gekleidete Tisch in einem Strudel von Alkohol und Wut auf den Boden fallen wird. Er bemerkt sein eigenes wachsames Auge.

Félix Vallottons Selbstbildnis im Alter von zwanzig Jahren, 1885.
Facebook Twitter Interesse Félix Vallottons Selbstbildnis im Alter von zwanzig Jahren, 1885. Foto: Kantonales Museum der Beaux-Arts von Lausanne
Das ist das Thema des Selbstbildnisses im Alter von zwanzig Jahren, mit dem diese Ausstellung eröffnet wird. So präzise ist es eher wie das Lamentieren, in der Holbein-Tradition zeigt dieses nervtötende Bild den jungen Vallotton vor dem kalten blaugrünen Hintergrund der nördlichen Kunst. Zu sehen ist zu wissen: und wie gut er sich selbst schon zu kennen scheint – der beunruhigende Junge vor der stillen Kulisse, der sich mit seinem seitlichen Auge an uns wendet.

Und Vallottons Vision ist einzigartig seltsam. Seine Gemälde sind im Allgemeinen kompakt und klein, mit schwülen Farbtönen und der verführerischen Pinselführung der Nabis (er war ein lebenslanger Freund von Vuillard). Aber fast immer liegt ihnen ein narratives Rätsel zugrunde. Warum schaut der Invalide links von La Malade in ihrem Bett, das der Wand zugewandt ist, von uns weg, während das Dienstmädchen rechts den Raum wie ein selbstbewusstes Starlet betritt? Zwei Frauen, die sich streiten, wie in völlig getrennten Welten?

Was in The Visit wirklich vor sich geht, ein alarmierendes Szenario, in dem ein anderes Paar – sie mit Mantel und Federhut, er packt sie fest an der Hand – an der Schwelle zu einem Raum steht, in dem genau die Möbel mit einem möglichen Angriff verschworen zu sein scheinen. Eine Tür öffnet sich zu einem Schlafzimmer mit Lamellenboden und wartet wie eine Falle. Es sei denn, dieser Gentleman zahlt?

Und sind die biblischen Tafeln nicht in Keuschheit Suzanne gewendet, in der eine wissende junge Frau zwei ältere Männer unterhält, die auf ihren Glatzen bösartig glitzern, in den Tiefen eines üppigen Banketts? Beziehungen sind immer mehrdeutig. Sogar der einsame Mann am Fenster, ein brauner Anzug, der sich mit dem Braun der Vorhänge vermischt, scheint sich zu verstecken, als er die Straße darunter beobachtet.

In den Holzschnitten, mit denen er berühmt wurde, blickt Vallotton selbst oft von ungefähr der gleichen Stelle aus auf Paris herab. Die Straßen sind wild. Die Massen protestieren, wogen weg von einer unsichtbaren Bedrohung, Mäntel schlendern, Zylinder sind verstreut. Regen fällt auf eine rivalisierende Regenschirmflut. Brutale Polizisten mit komischen Schnurrbärten steigen ab wie die Keystone Cops. Aber hinter ihnen liegen die Körper von Menschen, die im Sterben liegen oder bereits tot sind. Dieser Druck ist weder ganz realistisch noch eine reine Satire.

Vallottons Prints sind erstaunlich in ihrer schieren Grafikkraft und Registerhaftigkeit. Seine reinen Schwarzen brennen heftig gegen die makellose weiße Seite und geben ein strahlendes Nachbild ab. Er kann die weiße Scheibe eines Fensters irgendwie auf die dunkelste Nacht hinweisen lassen und diagonale schwarze Linien in eine Vision von dünner Luft verwandeln. Es ist keine Überraschung, dass seine
Es ist schwierig, den scharfen Humor seiner großen Reprise von Manets Olympia – in der das schwarze Dienstmädchen auf der Rückseite nun vor der Bühne erscheint (Vallottons Blockade ist großartig), eine sardonische Zigarette rauchend – mit der eindringlichen Schönheit seiner leeren Landschaften zu verbinden.

Und es ist kaum zu glauben, dass derselbe Künstler die lange Reihe von schattenhaften Innenräumen, die sich auf Alfred Hitchcock und Edward Hopper freuen, sowie die noch längere Serie von schrecklichen weiblichen Aktfotos, lumpenhaft, kalt und roh, hätte produzieren können.

Aber im besten Fall sind Vallottons Szenen in ihren Miniaturerzählungen fast sprichwörtlich. Es gibt ein erschreckendes Bild von einer Frau, die nachts einen Schrank durchsucht, das unsere gemeinsame Angst hervorruft, in all dem Chaos nie dieses entscheidende und möglicherweise lebensverändernde Dokument zu finden. Und der Teich zeigt eine sich ausbreitende Form von tiefgründigem schwarzem Wasser, das sich wie ein Lebewesen in die unschuldige grüne Wiese unserer Terrafirma einzuschleichen scheint. Einmal gesehen, nie wieder vergessen.

Top Britische Kirchen der letzten 100 Jahre

Am kommenden Sonntag war Großbritannien eine Nation, die fromm auf den Knien lag, aber nicht mehr. Der Kirchenbesuch ist chronisch rückläufig, wobei die Zugehörigkeit zur Church of England derzeit auf einem Rekordtief von 14% liegt. Moderne Briten sind im Allgemeinen weniger gottesfürchtig als ihre Vorfahren, wobei mehr als die Hälfte der Bevölkerung angibt, dass sie keine Religion haben, so eine im vergangenen Jahr durchgeführte Umfrage zu britischen sozialen Einstellungen.

Infolgedessen gab es unvermeidliche Folgen für die Kultstätten. Der Wandel zum Säkularismus zeigt sich am deutlichsten in der völligen Aufgabe von Kirchen in städtischen und ländlichen Gebieten. Doch trotz sinkender Zahl von Gläubigen trifft die Kirchenarchitektur in der nationalen Psyche immer noch einen tief sentimentalen Ton an. Buchhandlungen wimmeln von leicht abgeworfenen Wälzern zum Thema der besten Kirchen Großbritanniens.

Mit dem vielversprechenden Titel 100 Kirchen 100 Jahre, scheint diese neue Publikation aus der Gesellschaft des 20. Jahrhunderts in ähnliches Stock-Füller-Gelände einzutauchen. Aber wie man es vom Kaliber seiner Mitwirkenden erwarten kann, zu denen die führenden Architekturhistoriker Elain Harwood und Alan Powers gehören, ist es eine subtilere und wissenschaftlichere Untersuchung der Geschichte des britischen Kirchenbaus in der Neuzeit, die Einflüsse abwägt, die Rolle von Kunst und Artefakten erforscht und die christliche Kirche in eine Landschaft zurückversetzt, die sie heute zunehmend mit Moscheen, Synagogen und Hindu-Tempeln teilt.

So wie der Geschlechtsverkehr 1963 begann, begann 1923 die moderne Kirchenarchitektur mit dem Bau von Auguste Perret’s Notre-Dame du Raincy an einem symbolisch aufgeladenen Ort außerhalb von Paris, wo General Michel-Joseph Maunoury die deutsche Armee während des Ersten Weltkriegs zurückschlug. Perret war ein Genie, das gotische Konstruktion und klassische Details zu einer einzigen, erstaunlichen Vision von Rohbeton verschmolz, verstärkt durch eine sensorische Überladung von Glasmalerei. Gemeinsam mit anderen europäischen Innovatoren, wie dem deutschen Architekten Fritz Höger, dem Täter hochexpressionistischen Mauerwerks, lieferte Perret dem britischen Kontingent ein Vorbild bei der Entwicklung einer neuen Architektursprache für die moderne Kirche.

Das Experiment war ein konstanter Faktor, der durch die leicht anstrengende chronologische Trajektorie, die durch 100 signifikante Beispiele mit der Schnelligkeit eines entlaufenen PowerPoint blitzt, deutlich gemacht wurde. Es ist eine Erleichterung, an den bekannten Wegpunkten der Coventry Cathedral, Basil Spences überwältigtem Denkmal für den Wiederaufbau nach dem Krieg, und Liverpools Zwillingsitanen, der römisch-katholischen Metropolitan Cathedral of Christ the King von Friedrich Gibberd mit ihrer abstrakten Dornenkrone und ihrem radikalen Grundriss, sowie der Anglikanischen Kirche Christi von Giles Gilbert Scott anzuhalten. Mit nur 22 Jahren gewann Scott einen Wettbewerb für die erste neue Church of England Cathedral, die seit der Reformation gebaut wurde, und sie wurde zu seinem Lebenswerk.

Mit einer ungewöhnlichen symmetrischen Komposition, die von einem riesigen zentralen Turm dominiert wird, wurde Scotts Entwurf so berechnet, dass er Andeutungen von romantischer Dunkelheit hervorruft. “Es ist entweder ein Motor der Emotionen oder es ist nichts”, schrieb der Architekt und Kritiker HS Goodhart-Rendel damals. Revolutionär war sie aber auch in der Artikulation ihrer Stahlkonstruktion und der zügigen Reinigung gotischer Ordner, der Beseitigung der “archäologischen Fesseln” der Vergangenheit und der Erschließung neuer architektonischer Möglichkeiten. Scott starb 1960, und der Entwurf wurde von den Mitgliedern seines Büros mit speziell gegossenem Glasfasergewebe umgesetzt, das wie das bestehende Mauerwerk aussieht. Es wurde schließlich 1978 fertiggestellt.

Neben dem Triumvirat Spence, Gibberd und Gilbert Scott gibt es eine reiche Begleitband von weniger bekannten Kirchenarchitekten, deren Beiträge lebendig werden. Wie ich haben Sie vielleicht noch nie von Edward Maufe (né Muff), FX Velarde oder Nugent Francis Cachemaille-Day gehört, aber ihre Arbeit ist so farbenfroh überzeugend, wie ihre Namen vermuten lassen.

In einer langen Karriere, die die Zwischen- und Nachkriegszeit überbrückte, war Cachemaille-Day einer der produktivsten Architekten seiner Zeit, der mehr als 60 Kirchen entwarf oder umbaute. Äußerlich waren seine Gebäude strenge, germanische Backsteinfestungen – die Sutton-Baptistenkirche ist ein gutes Beispiel -, aber die Inneneinrichtung versuchte, die Menschen in eine intimere Nähe zum Altar zu bringen. FX Velarde war anfangs auch vom deutschen Expressionismus beeinflusst, aber später änderte sich der Ton und er entwarf ein Dutzend Vorstadtkirchen mit einer skurrilen, spielzeugartigen Qualität, die an die 1950er Jahre erinnert. Viele hatten raketenähnliche Gondeln, wie z.B. die 1953 fertiggestellte Kirche der englischen Märtyrer in Wallasey.

Der Abbau von Barrieren zwischen Priester und Gemeinde wurde zum grundlegenden Thema der liturgischen Nachkriegsreform, die sich in der Architektur niederschlug. Am eindrucksvollsten wurde es vielleicht von Maguire und Murrays bahnbrechendem St. Paul’s at Bow Common konkretisiert, mit seinem zentral gelegenen Altar und dem modernistischen Baldaquin aus geschweißten Stahlprofilen. Kritiker Ian Nairn bezeichnete es als “völlig frisch, die

Der Abbau von Barrieren zwischen Priester und Gemeinde wurde zum grundlegenden Thema der liturgischen Nachkriegsreform, die sich in der Architektur niederschlug. Am eindrucksvollsten wurde es vielleicht von Maguire und Murrays bahnbrechendem St. Paul’s at Bow Common konkretisiert, mit seinem zentral gelegenen Altar und dem modernistischen Baldaquin aus geschweißten Stahlprofilen. Der Kritiker Ian Nairn bezeichnete es als “völlig frisch, die immerwährende Kraft, die zum ersten Mal wieder gesehen wurde”.

Eine überraschende Statistik ist, dass in den 1960er Jahren in Großbritannien so viele Kirchen gebaut wurden wie in den hochviktorianischen 1860er Jahren. Neue Gebäude wurden benötigt, um der Zerstörung durch den Krieg entgegenzuwirken und den Auswirkungen des liturgischen Wandels zu begegnen, aber auch moderne Kirchen haben Neuland betreten, indem sie sich von ihren traditionellen Lehen in der Innenstadt in die expandierenden Vororte und neuen Städte begeben haben. Gillespie Kidd & Coia’s (GKC) St. Bride’s in East Kilbride war ein typischer Pionier. An prominenter Stelle im Zentrum von Schottlands erster neuer Stadt gelegen, war es ein architektonischer und spiritueller Ausreißer, eine grüblerische, brutalistische Kiste mit dicken Ziegelmauern, die das Gewicht mittelalterlicher kaledonischer Schlösser überstieg.

Von den zahlreichen Aufträgen, die GKC für die katholische Kirche unternahm, entspricht jedoch keiner dem Ruf des Petersseminars in Cardross. Sie wurde als “die spektakulärste und eruditischste Ruine der britischen Moderne” bezeichnet und ist wegen ihres fotogenen Zustandes der Verwüstung ebenso berüchtigt wie wegen der außergewöhnlichen Natur ihrer Architektur, die durch das Werk von Le Corbusier stark beeinflusst wurde. Die 1966 fertiggestellte St. Peterskirche war nur 14 Jahre in Betrieb und fiel dem vatikanischen Dekret zum Opfer, dass Priester in der Gemeinde und nicht an isolierten Orten ausgebildet werden sollten. Es wurde 1980 als Seminar geschlossen, wurde kurzzeitig als Drogenrehabilitationszentrum genutzt und verfiel dann in einen Zustand längerer und schmutziger malerischer Verlassenheit.

Gillespie Kidd & Coia’s St. Peter’s Seminar in Cardross (1966).
Facebook Twitter Pinterest ‘Die spektakulärste Ruine der britischen Moderne’: Gillespie Kidd & Coia’s St. Peter’s Seminar in Cardross (1966). Foto: Kay Roxby/Alamy
Nach zahlreichen Versuchen zur Rettung, Wiederherstellung und Umgestaltung wurde sein Schicksal nun endgültig bestimmt, mit der jüngsten Nachricht, dass der Standort einer Strategie des “kuratierten Verfalls” unterworfen sein wird. Ein Bericht von Historic Environment Scotland wies darauf hin, dass das unter Denkmalschutz stehende Gebäude der Klasse A nicht in die Obhut des Staates genommen werden sollte, “wegen des Risikos und der Kosten für die öffentliche Hand”, so Fiona Hyslop, Kabinettssekretärin für Kultur in Schottland. Die Erzdiözese Glasgow, die für St. Peter’s verantwortlich ist, hat es als “Albatros um den Hals” bezeichnet.

Der Begriff des “kuratierten Verfalls” hat im Architekturkommentar für viel freudloses Gelächter gesorgt. Es beinhaltet Ausgaben von 6 Millionen Pfund, um St. Peter’s zu erhalten und es sicher genug zu machen, um einen begrenzten öffentlichen Zugang zu ermöglichen, aber es wird im Unterholz von Clydeside verrotten und zwecklos bleiben. Ein so trauriges und ruinöses Ende bildet eine umstrittene Coda, aber das Schicksal von St. Peter ist nicht einzigartig. Schwindende Gemeinden und Ressourcen gefährden alle Kirchengebäude, insbesondere die “anspruchsvolleren” modernen. Die Grenze zwischen Erhaltung und Aussterben, Himmel oder Hölle, wurde noch nie so deutlich definiert.

“Turner lässt seine Spinnweben wegpusten” – Sea Star: Sean Scully Bewertung

Manchmal braucht man einen Maler, um einen Maler zu sehen. Im Mittelpunkt von Sean Scullys Ausstellung in der Nationalgalerie steht ein auffälliges Treffen zwischen ihm und JMW Turner an einem Strand, an dem Himmel, Meer und Land zu einer abstrakten Lichtschichtung verschmelzen.

Turner wurde 1775 in London geboren und zum Zeitpunkt seines Todes 1851 von verblüfften Viktorianern als abstrahierter Verrückter gesehen, der Senf und Currypulver auf seine Leinwände warf. Scully wurde 1945 in Dublin geboren und hat nie an seiner Berufung als abstrakter Künstler gezweifelt. Sie werden ihn eher auf Celebrity Bake Off sehen, als ein erkennbares Gesicht oder einen Baum zu malen – und das ist überhaupt nicht wahrscheinlich für einen Künstler, der bewusst den Mantel großer moderner Maler wie Mark Rothko und Ellsworth Kelly trägt.

Scully hat ein Gemälde aus der Sammlung der Nationalgalerie ausgewählt, Turner’s Strandlandschaft The Evening Star, die um 1830 gemalt wurde, um es mit seinen eigenen Streifen und Rastern von nass aussehender Farbe aufzuhängen. In Turners Bild funkelt der Planet Venus in einem Himmel, der ein Staub aus blauen und gelben Partikeln ist, die durch Nebel milchig werden, über einer Bank aus rauchig sterbenden Wolken, einem schwarz werdenden Meer und einem Krabbenstrand. Man kann es aus der Nähe betrachten, dann wie ich rückwärts gehen und es vor sich behalten, bis man es zwischen zwei Gemälden von Scully sieht, die aus dunklen Farbbändern bestehen, die übereinander geschichtet sind, so dass sie die horizontale Erhabenheit von Turners Leinwand widerspiegeln. Blues und Violett erzeugen eine Stimmung der abendlichen Rumination, die zu Turners mysteriöser Dämmerung passt. Scully zeigt, dass Turner’s Evening Star in seiner Auflösung der Realität in eine Atmosphäre undefinierbarer chromatischer Suggestivität ein abstraktes Meisterwerk ist.

Professionelle Kunsthistoriker haben seltsamerweise Angst davor, Turners Frühreife als abstrakten Künstler ein Leben lang vor Kandinsky oder Mondrian zu feiern. Als er starb, war sein Atelier voll von Gemälden, in denen sich feurig schmelzende Farbe nicht in Objekte auflöst. Es sind nur unvollendete Studien, bestehen Skeptiker darauf. Auch die National Gallery warnt uns auf ihrer Website, uns nicht zu sehr von The Evening Star mitreißen zu lassen, sondern sie als “eine Studie über die Auswirkungen von Licht und Atmosphäre und nicht als fertiges Werk” zu betrachten.

Scully bläst solche kavillierenden Spinnweben weg. Er sieht einen Kollegen der Abstraktion in Turner. Er ist nicht der erste abstrakte Künstler, der die Affinität spürt: Einer der Gründe, warum Rothkos Seagram-Gemälde in der Tate Modern zu sehen sind, ist, dass er wollte, dass seine Werke in der Nähe von Turner’s zu sehen sind. Doch diese Ausstellung ist ein Gegenspiegel. Wenn es die Abstraktion in Turner enthüllt, zeigt es auch, wie Scully auf die Natur reagiert. Licht ist Natur, Farbe ist Natur. Es gibt eine erdige Rohheit in Scullys Farben, die auf einer heftigen emotionalen Begegnung zwischen ihm und der Welt besteht. So streng die von ihm akzeptierte formale Disziplin auch sein mag – jedes der Pastelle und Gemälde hier ist eine minimalistische Anordnung von farbigen Rechtecken – man spürt immer, wie seine Leidenschaft buchstäblich aus der Box platzt.

Nehmen wir seine Arbeit 2017 Robe Magdalena. Es ist ein fast (aber vor allem nicht ganz) quadratisches Aluminiumblech, auf das er ineinander greifende Farbblöcke gemalt hat, darunter ein helles Türkisblau, zwei dunkle Blautöne, helle Pink, Schwarz und Grau. Es ähnelt Gemälden, die Kelly in den 1950er Jahren anfertigte, indem er farbige Holzrechtecke anordnete. Aber anstatt die minimalistische Geometrie zu betonen, vermasselt Scully es und schmiert die Farbe in intensiven Gefühlen, die in jedem rauen Fleck einer saftigen Pinselführung verweilen. Dann merkt man, dass sich unter diesen sinnlichen Rosa ein schwarzes Kreuz materialisiert hat. Dies ist ein Gemälde über Sex und Tod. Abstraktion ist nicht kalt – nicht, wenn Scully es tut.

Ausstellungen zeitgenössischer Künstler in der National Gallery sind am sinnvollsten, wenn diese Künstler sich intelligent mit ihrer großen Sammlung europäischer (auch britischer) Malerei beschäftigen. Dies fühlt sich an wie eine Rückkehr zu den vorsichtigeren Shows, die sie früher veranstaltet hat, und lädt etablierte, reife moderne Künstler ein, auf ihre Schätze zu reagieren. In jedem rosa Fleck ist offensichtlich, dass Scully sein ganzes Leben lang über das Geheimnis der Malerei nachgedacht hat. Das macht seine Begegnung mit Turner zu einem lohnenden Spaziergang am Strand.

Ellen Gallagher’s Bird in Hand: Sklavenschiffe und versunkene Schätze

Auf der Stelle….
In Ellen Gallaghers Gemälde Bird in Hand von 2006 wird die brutale Geschichte als ätherische Fantasie umgestaltet. Der Rumkumpel in seinem Zentrum verbindet Moby-Dicks Captain Ahab, den Stepptanzstar Peg Leg Bates und die ungezählten Geschichten von denen, die auf Sklavenschiffen von den Kapverden, aus denen die väterliche Familie des Künstlers stammt, über Bord geworfen wurden.

Unter dem Meer…..
Gallagher entwickelt diese vielfältigen Anspielungen zu neuen Möglichkeiten: ein einäugiger Pirat aus Drexciya, ein schwarzer Atlantis, der von der gleichnamigen Detroiter Hausnummer erfunden wurde und für sie eine wiederkehrende Referenz ist.

Die neuen Mutanten…..
Sie hat ihn als Dr. Moreau beschrieben: Sein Bein sprießt Tentakel, sein Afro ist ein Fischschwarm. Aus nächster Nähe ist er jedoch das Produkt von sedimentierten Schichten der Kulturgeschichte. Zu den Materialien gehören zerrissenes Papier, Karten und alte, oft rassistisch unterdrückende Anzeigen für schwarze Schönheitsprodukte.

Alte Salze….
Himalaya-Steinsalz und Blattgold deuten auf versunkene Schätze und die Geologie einer Unterwasserutopie hin. Die Referenzen tanzen vor uns wie das Meeresleben: schwebend, fließend und nicht sesshaft.

Ich bin nicht nur auf der Jagd nach Gefallen’: zu Hause bei Scott Schuman vom Sartorialisten.

Scott Schuman fragt nicht immer, ob er jemandes Foto machen kann. Wenn sich eine großartige Aufnahme ergibt – ein zarter Moment, den er letzten Monat zwischen einem älteren Mann und seiner Enkelin oder einer stilvollen Frau, die über einen gepflasterten Platz rast, eingefangen hat – macht er einen kurzen Schnappschuss. Aber manchmal mag er es, wenn seine Untertanen direkt in sein Objektiv schauen: selbstbewusst, schön, oft mit Sonnenbrille – scharf gekleidete Frauen und Männer in den modischsten Städten der Welt.

Heute ist die Streetstyle-Fotografie so allgegenwärtig, dass es schwer ist, sich an eine Zeit zu erinnern, in der sie keine Rolle spielte. Aber 2005, als Schuman begann, die Menschen in seinem Blog The Sartorialist zu dokumentieren, als Nebenbeschäftigung zu dem von ihm in New York betriebenen Modeshowroom, fühlte es sich wild aufregend an, obwohl solche wie Bill Cunningham und William Klein Jahrzehnte zuvor ähnliche Arbeit geleistet hatten. Heute, mit 51 Jahren, hat Schuman den Anschein einer Großvaterfigur unter den jüngeren Bloggern – von Tavi Gevinson bis Tommy Ton -, die er sanft als “Influencer” abweist. “Ich schätze Stil in einem viel weiteren Sinne”, sagt er. “Ich bin nicht nur auf der Jagd nach Gleichgesinnten. Es gibt nichts, was mein Interesse weckt – Menschen müssen nicht “modisch” sein. Aber wenn jemand verrückt gekleidet ist, braucht er eine Aufrichtigkeit dafür. Ich bin wählerisch: Ich bin vielleicht sechs oder sieben Stunden unterwegs und bekomme vier Schüsse – und das ist ein guter Tag.”

In der Tat liegt das Vergnügen an seinem Blog und Instagram-Feed im Detail: die Art und Weise, wie das Haar einer Frau gebunden wird, ein gut gerollter Ärmel, ein älterer Mann mit einem verwegenen Hut. Er dreht oft an Orten wie Indien und Peru. “Bei einer guten Straßenfotografie geht es darum, Charaktere zu erfassen”, sagt er.

Ein Großteil seiner Arbeit säumt die Wände seiner Wohnung in New York, wo er mit seiner Partnerin Jenny Walton, einer Modezeichnerin und Bloggerin, und seiner jüngeren Tochter (die ältere ist im College) lebt. Bodenhohe Bücherregale sind mit Fotobüchern gefüllt. Er zog hierher – eine Zweizimmerwohnung im legendären Police Building in Manhattan, erbaut 1905 und seit mehr als 60 Jahren das Hauptquartier der NYPD – von einem viel größeren Dachboden. “Ich lebte dort mit meiner Ex-Freundin[französischer Fotograf und Blogger Garance Doré], und es war einfach zu groß. Jetzt will ich einen gemütlichen Raum. Das fühlt sich eher wie zu Hause an.”

Die Wohnung ist weiß gestrichen und sparsam eingerichtet – zum Teil spürt man das, denn Schuman kümmert sich weniger um die Inneneinrichtung als um die Kleidung. “Wir hatten Spaß bei der Suche nach Möbeln, aber ich finde es schwieriger, als nach Kleidung zu suchen”, sagt er. “Ich weiß, worauf man in einem Anzug achten muss, aber eine Couch ist einschüchternder.”

Das grüne Samt, das L-förmige Sofa des Paares von ABC, ist ein seltenes Nicken der Farbe. Walton ist ein Fan von Vintage aus der Mitte des Jahrhunderts: Ein Holzstuhl neben dem Sofa stammt von Paul László, und ein Schreibtisch und Stuhl aus der Mitte des Jahrhunderts sitzen in einer Ecke des Schlafzimmers des Paares.

Sie haben drei Schränke zwischen sich – zwei gehören Schuman, einer Walton, einem auffallend bunten Schrank mit Schals und Schuhen. “Ich bevorzuge es, eine minimale Menge an Kleidung zu haben und sie mit Accessoires auszustatten, die nicht immer viel Platz einnehmen”, sagt sie. Schuman denkt genauso. “Ich bin kein Minimalist, aber ich habe angefangen, weniger zu kaufen. Ich habe Marie Kondo gesehen, und natürlich ist es lustig, dass wir uns jede Nacht bei unseren Socken bedanken. Aber ich glaube, sie lässt dich schätzen, was du mehr hast. Ich würde lieber weniger, schönere Dinge besitzen.”

Schuman verbringt gerne Zeit zu Hause, weil er so viel unterwegs ist, hat aber nicht die Absicht, bald aufzuhören. Natürlich wird er jetzt immer wieder erkannt – macht das seinen Job schwieriger? “Wenn mich jemand erkennt, ist das schön. Und es kann es den Leuten leichter machen, Ja zu sagen. Aber ich ziehe es vor, an den Kanten zu sein.”

Sein Schwerpunkt liegt nun auf dem Aufbau eines Werkes, eines jahrzehntelangen Katalogs darüber, wie wir im 21. Jahrhundert aussehen – und wie wir uns verändert haben. “Wie wird mein Blog in 30 Jahren aussehen?”, fragt er. “Das ist etwas, woran ich wirklich interessiert bin.”

Wie kauft man den besten aufblasbaren Whirlpool zu einem erschwinglichen Preis?

Normalerweise aus PVC-Vinyl hergestellt, werden aufblasbare Whirlpools immer beliebter als praktische Alternative zu den teureren Hartschalenwhirlpools oder Whirlpools. Auch tragbare Whirlpools genannt, können Sie die Whirlpools überallhin mitnehmen.

Sie können einen in Ihrem Garten aufbewahren, einen in Ihrer fertigen Garage platzieren lassen oder ihn einfach überall platzieren, wo Sie Zugang zu Strom und Wasser haben. Viele denken, dass ein Eintauchen in diese Whirlpools Ihnen nur eine Chance geben wird, mit Ihren Kindern zu genießen, aber das ist nur die halbe Miete.

Die Wärme, die Ihr Körper aus dem https://thedownproject.de/aufblasbarer-whirlpool-test/ aufnimmt, erreicht Ihr Blut und hilft, Ihren Blutdruck zu senken. Es entspannt auch Ihre Muskeln und regeneriert Ihren Geist und Ihre Sinne. Diejenigen mit Sinusproblemen können auch von einem Einweichen in heißem Wasser profitieren.

Mit etwas so Nützlichem wie einem Whirlpool, können Sie daran denken, einen guten aufblasbaren Whirlpool zu kaufen. Nun, warum sich mit einem guten zufrieden geben, wenn Sie den besten aufblasbaren Whirlpool finden können.

Nicht wenige Marken verkaufen einige aufblasbare Whirlpools von außergewöhnlicher Qualität, aber hier sind ein paar Dinge, die intelligente Menschen für die richtige Wahl halten.

Was Sie beim Kauf eines aufblasbaren Whirlpools beachten sollten
Während ein aufblasbarer Whirlpool einen Whirlpool mit zahlreichen Funktionen nicht ersetzen wird, kann er ihn dennoch für sein Geld begeistern. Für einen Bruchteil der Kosten werden Sie die leichte Blasenmassage genießen, während Sie in erwärmtem Wasser einweichen.

Also, was ist die beste aufblasbare Whirlpool auf dem Markt? Es gibt keine Einheitsformel, aber Sie können den idealen Whirlpool finden, wenn Sie einige Faktoren berücksichtigen.

Wählen Sie die richtige Größe aus
Während der größte Vorteil eines aufblasbaren Whirlpools seine Tragbarkeit ist, haben Sie vielleicht immer noch einen Ort im Kopf, an dem Sie ihn häufiger benutzen möchten. Daher ist es wichtig zu überlegen, welche Größe für diesen Raum geeignet ist.

Hier finden Sie Wannen mit einer Breite von nur 180 cm. Sie können eine solche Wanne erhalten und sie auf jede ebene und ebene Fläche stellen, wie z.B. Ihre Terrasse, Ihren Rasen oder Ihre Terrasse.

Achten Sie bei der Wahl des richtigen Raumes für die Nutzung Ihrer Wanne darauf, dass sie eine Steckdose hat, die vorzugsweise näher an einer Tür oder einem Fenster liegt. Der Stecker sollte sich in der Nähe der Wanne befinden, um die Verwendung eines Verlängerungskabels zu vermeiden.

Überprüfen Sie die Kapazität
Sie sollten sich überlegen, wie viele Personen es verwenden werden https://thedownproject.de/teuren-whirlpool-kaufen/. Wenn Sie Kinder im Kopf haben, denken Sie daran, dass sie eine größere Wanne viel aufregender finden werden als eine kleine Wanne. Die meisten aufblasbaren Whirlpools können 2-4 Personen aufnehmen, aber Sie können auch einige mit einer Kapazität für bis zu acht Personen finden.

Überprüfen Sie das Filtrationssystem.
Sie sollten Ihr Geld auf einen aufblasbaren Whirlpool mit einem fortschrittlichen Filtersystem setzen. Es sollte mit einem Hartwasser-Filtersystem ausgestattet sein, das hilft, Kalziumansammlungen zu vermeiden. Ein gutes Filtersystem mit Hartwasserfunktion macht die Wartung einfach, aber Sie sollten Methoden verwenden, um die richtige Wasserchemie zu erhalten.

Wählen Sie die richtige Form aus
Genau wie die Kapazität sind aufblasbare Whirlpools jetzt in verschiedenen Formen erhältlich. Obwohl die meisten von ihnen sind rund, können Sie immer noch einige Marken mit einigen einzigartig gestalteten quadratischen Modellen finden. Möglicherweise finden Sie auch einen Whirlpool im Stil eines Zwei-Personen-Ruderbootes.

Das Gute an diesen einzigartig gestalteten Wannen ist, dass sie etwas mehr Beinfreiheit bieten. Es bedeutet, dass mehr Menschen in der Lage sein können, ein Spa-Erlebnis gemeinsam zu genießen, ohne sich verkrampft fühlen zu müssen.

Überprüfen Sie die Qualität der Abdeckung.
Aufblasbare Whirlpools werden mit eigenen Bezügen geliefert. Sie können von verschiedenen Typen sein, einschließlich einer Wärmedecke, einer isolierten Hülle oder einer Lederhülle. Eine Kombination dieser Materialien ist ebenfalls möglich.

Es ist eine gute Idee, zu überprüfen, ob das Modell, das Sie kaufen, eine hochwertige Abdeckung hat, oder ob Sie Geld für die Abdeckung Ihrer aufblasbaren Whirlpools ausgeben werden.

Überprüfen Sie den Typ der Jets.
Wenn Sie bestimmen, was das beste Whirlpoolmodell auf dem Markt ist, achten Sie unbedingt auf die Düsen. Einige dieser Modelle können 100 Luftdüsen haben, aber andere können 200 oder mehr haben.

Diese Wannen schießen starke Wasserströme aus, manchmal in Kombination mit Luftdüsen. Daher sollten Sie prüfen, ob das Modell, das Sie auswählen, nur Wasserstrahlen enthält oder auch Luftdüsen hat, da dies die Enderfahrung beeinträchtigt.

Wählen Sie das richtige Grundgewebe aus
Wenn Sie eine aufblasbare Badewanne für kaltes Wetter kaufen, müssen Sie sicherstellen, dass sie mit dem richtigen Grundtuch ausgestattet ist. Die meisten Modelle haben ein Blatt, das Sie auf der Oberfläche verteilen können, bevor Sie die Wanne aufstellen.

Die Qualität des Schleifgewebes ist entscheidend, da es Temperaturschwankungen, Staub und Schmutz sowie mögliche Schäden verhindert.

Andere Merkmale prüfen
Es ist eine gute Sache, Ihr Geld auf einen Whirlpool zu setzen, dessen Seiten mit einer I-Träger-Konstruktion versehen sind. Es macht die Seiten ziemlich stabil, so dass sie sich nicht verbiegen oder verziehen. Ebenso können Sie überprüfen, ob es mit einem gepolsterten Boden kommt oder nicht. Das digitale Bedienfeld sollte mit einer automatischen Start-/Stoppuhr ausgestattet sein.

Berücksichtigen Sie den Preis
Du solltest ein Budget im Hinterkopf haben, bevor du anfängst. Unnötig zu sagen, dass eine größere Wanne mit einer Kapazität von bis zu 8 Personen Sie mehr kosten wird als eine kleine Wanne. Du solltest bedenken, dass die

Wie wirken sich E-Zigaretten auf das Gehirn aus?

Das Nikotin in E-Flüssigkeiten wird leicht aus der Lunge in den Blutkreislauf aufgenommen, wenn eine Person eine Der E Shisha Test 2019 benutzt. Beim Eintritt in das Blut stimuliert Nikotin die Nebennieren, um das Hormon Adrenalin (Adrenalin) freizusetzen. Epinephrin stimuliert das zentrale Nervensystem und erhöht Blutdruck, Atmung und Herzfrequenz. Wie bei den meisten Suchtmitteln aktiviert Nikotin die Belohnungskreisläufe des Gehirns und erhöht auch den Gehalt an einem chemischen Botenstoff im Gehirn namens Dopamin, der das lohnende Verhalten verstärkt. Der Genuss durch die Interaktion von Nikotin mit dem Belohnungskreislauf motiviert einige Menschen, trotz Risiken für ihre Gesundheit und ihr Wohlbefinden immer wieder Nikotin zu verwenden.

Was sind die gesundheitlichen Auswirkungen von E-Zigaretten? Sind sie sicherer als Tabakzigaretten?
Einige Untersuchungen deuten darauf hin, dass E-Zigaretten weniger schädlich sein könnten als Zigaretten, wenn Menschen, die regelmäßig rauchen, als vollständiger Ersatz zu ihnen wechseln. Aber Nikotin in jeder Form ist eine sehr süchtig machende Droge. Die Forschung deutet darauf hin, dass es sogar das Belohnungssystem des Gehirns verbessern kann, wodurch Vaper Gefahr laufen, von anderen Medikamenten abhängig zu werden.9

Auch die Verwendung von E-Zigaretten setzt die Lunge einer Vielzahl von Chemikalien aus, einschließlich solcher, die E-Flüssigkeiten zugesetzt werden, und anderen Chemikalien, die während des Erwärmungs-/Verdampfungsprozesses produziert werden.10 Eine Studie über einige E-Zigarettenprodukte ergab, dass der Dampf bekannte Karzinogene und toxische Chemikalien sowie potenziell toxische Metallnanopartikel aus dem Gerät selbst enthält. Die Studie zeigte, dass die E-Flüssigkeiten bestimmter cig-a-ähnlicher Marken einen hohen Gehalt an Nickel und Chrom enthalten, der von den Nischenheizspulen der Verdampfungsvorrichtung stammen kann. Cig-a-likes kann auch geringe Mengen an Cadmium enthalten, einem giftigen Metall, das auch im Zigarettenrauch enthalten ist und Atembeschwerden und Krankheiten verursachen kann.11 Weitere Untersuchungen zu den gesundheitlichen Folgen einer wiederholten Exposition gegenüber diesen Chemikalien sind erforderlich.

Gesundheitliche Auswirkungen für Jugendliche
Die Teenagerjahre sind entscheidend für die Gehirnentwicklung, die bis ins junge Erwachsenenalter andauert. Junge Menschen, die Nikotinprodukte in jeglicher Form, einschließlich Geekvape Aegis, verwenden, sind einzigartig gefährdet für eine lang anhaltende Wirkung. Da Nikotin die Entwicklung des Belohnungssystems des Gehirns beeinflusst, kann der fortgesetzte Gebrauch von E-Zigaretten nicht nur zu einer Nikotinabhängigkeit führen, sondern auch andere Medikamente wie Kokain und Methamphetamin für das sich entwickelnde Gehirn eines Jugendlichen angenehmer machen.12

Nikotin beeinflusst auch die Entwicklung von Hirnschaltungen, die Aufmerksamkeit und Lernen steuern. Weitere Risiken sind Stimmungsstörungen und dauerhafte Probleme mit dem Versagen der Impulskontrolle zur Bekämpfung eines Drangs oder Impulses, der sich selbst oder anderen schaden kann.12

Können E-Zigaretten einer Person helfen, mit dem Rauchen aufzuhören?
Einige Leute glauben, dass E-Zigaretten helfen können, das Verlangen nach Nikotin bei denen zu verringern, die versuchen, mit dem Rauchen aufzuhören. E-Zigaretten sind jedoch keine von der FDA zugelassene Kündigungshilfe, und es gibt keine schlüssigen wissenschaftlichen Beweise für die Wirksamkeit von E-Zigaretten zur langfristigen Raucherentwöhnung. Es sollte beachtet werden, dass es sieben FDA-zugelassene Beendigungshilfen gibt, die sich als sicher erwiesen haben und bei bestimmungsgemäßer Verwendung wirksam sein können.

E-Zigaretten wurden in wissenschaftlichen Studien nicht gründlich bewertet. Derzeit liegen noch nicht genügend Daten über die Sicherheit von E-Zigaretten vor, wie die gesundheitlichen Auswirkungen im Vergleich zu herkömmlichen Zigaretten sind und ob sie für Menschen, die mit dem Rauchen aufhören wollen, hilfreich sind.

Wie man Herbstnagelkunst erstellt

Der Beginn einer neuen Saison ist der perfekte Zeitpunkt, um eine neue Maniküre zu erhalten. Ob für einen besonderen Urlaub, ein Event oder einfach nur zum Spaß, Nailart ist eine gute Möglichkeit, in den Herbst zu kommen. Es gibt keinen richtigen oder falschen Weg, um Herbstnagelkunst zu machen, und die Möglichkeiten sind endlos! Alles, was Sie tun müssen, ist, Farben und Themen zu verwenden, die typischerweise mit dem Herbst verbunden sind, und Sie sind gut zu gehen! Ideen zu finden kann hart sein, aber sie tatsächlich zu tun ist nicht so schwer, sobald man weiß, was man tun muss! Eine Menge Nailart sieht kompliziert und einschüchternd aus, aber es ist wirklich ganz einfach!

1- Erstellen von einfachen Kürbis-Nagelkunstwerken
Bereite deine Nägel vor. Beginnen Sie, indem Sie jeden alten Nagellack entfernen und Ihre Nägel reinigen. Als nächstes trimmen und feilen Sie Ihre Nägel in eine Form, die Ihnen gefällt. Schließe es ab, indem du deine Nagelhaut zurückdrückst und ein wenig Nagelhautöl aufnimmst.

Erwägen Sie, den Bereich der Nagelhaut mit Vaseline zu beschichten, um die Reinigung zu erleichtern. Wenn Sie mit Ihren Nägeln fertig sind, müssen Sie nur noch das Mineralölgelee und eventuelle Fehler abwischen. Du kannst auch weißen Schulkleber verwenden, aber lass den Kleber zuerst trocknen.
Wenn Sie eine ruhige Hand haben, oder wenn Sie Erfahrung in der Erstellung von Nagelkunst haben, können Sie diesen Schritt überspringen.

Tragen Sie eine Basisschicht auf. Dies schützt nicht nur Ihre Nägel vor möglichen Flecken, sondern hilft auch der Maniküre, länger zu halten.

Tragen Sie 1 bis 2 Schichten Ihrer Grundfarbe auf. Für beste Ergebnisse wählen Sie etwas, das hell und neutral ist, wie z.B. beige, hellbraun, weiß, cremefarben oder elfenbeinfarben.[1] Wenn Sie Nägel mit Halloween-Motiven erstellen möchten, können Sie jedoch Schwarz verwenden.
Du musst diese Nailart nicht bei jedem Nagel machen. Du kannst es als Akzent verwenden, indem du deine Nägel in einer durchgefärbten Farbe bemalt und dann die Nagelkunst auf deinen Ringfingern machst.
Wenn Sie sich entscheiden, diese Nailart als Akzent beizubehalten, sollten Sie Ihre anderen Nägel mit einer passenden, aber kontrastierenden Farbe bemalen, wie z.B. funkelndes/schimmerndes Orange.

Malen Sie einen orangefarbenen Halbkreis auf die Spitze Ihres Nagels[2] Da die Form, mit der Sie arbeiten, so groß ist, können Sie den Pinsel verwenden, der mit Ihrem Nagellack geliefert wurde. Wenn die von Ihnen verwendete Politur sehr transparent ist, müssen Sie möglicherweise eine zweite Schicht auftragen.
Die Halbkreise sollten nur etwas schmaler sein als Ihr Nagel.
Die Halbkreise sollten nicht mehr als ein Drittel der Länge Ihres Nagels betragen.

2- Erstellen von Glitter Gradient Herbstblättern
Bereite deine Nägel vor. Beginnen Sie, indem Sie jeden alten Nagellack entfernen und Ihre Nägel reinigen. Als nächstes trimmen und feilen Sie Ihre Nägel in eine Form, die Ihnen gefällt. Schließe es ab, indem du deine Nagelhaut zurückdrückst und ein wenig Nagelhautöl aufnimmst.
Erwägen Sie, den Bereich der Nagelhaut mit Vaseline zu beschichten. Dies soll die Reinigung erleichtern. Wenn Sie mit Ihren Nägeln fertig sind, wischen Sie einfach das Vaseline weg, zusammen mit allen Fehlern. Du kannst auch weißen Schulkleber verwenden, aber lass den Kleber zuerst trocknen.

Tragen Sie eine Basisschicht auf. Dies ist ein Muss, auch wenn Sie die Verwendung von hellem Nagellack planen. Die Grundierung schützt Ihre Nägel nicht nur vor möglichen Flecken, sondern verlängert auch die Lebensdauer der Maniküre.

Tragen Sie 1 bis 2 Schichten Ihrer Grundfarbe auf jeden Nagel auf. Wählen Sie eine neutrale Farbe, wie z.B. Braun, Beige oder Braun. Auf diese Weise wird Ihr Hintergrund nicht mit dem Glitzer oder den Blättern konkurrieren. Alternativ kannst du auch Weiß, Schwarz, Elfenbein oder Creme verwenden.

Klopfen Sie den Glitter auf die Spitze jedes Nagels. Dies erzeugt einen Ombre-Effekt, der nicht mehr als die Hälfte des Weges nach oben geht. Beginnen Sie, indem Sie den Glitter auf das obere Viertel jedes Nagels, dann das obere Drittel und schließlich die obere Hälfte klopfen. Dies erzeugt einen Gradienten- oder Ombre-Effekt, wobei der Glitter am dicksten auf den Spitzen Ihrer Nägel ist und zur Mitte hin verblasst.

Tragen Sie eine Deckschicht auf. Dies hilft, die Glitzerschicht zu glätten und erleichtert das Bemalen der Blätter im nächsten Schritt erheblich.
Beginnen Sie mit dem Bemalen von 1 bis 2 Blättern auf der Spitze jedes Nagels. Verwenden Sie eine dünne, spitze Bürste oder Streifenbürste. Wählen Sie Herbstfarben wie Rot, Orange oder Gelb. Fürs Erste male einfach 1 oder 2 kurze, gerade Linien auf jeden Nagel. Diese Linien werden schließlich zu deinen Blättern.

3- Erstellen von karierten Nagelkunstwerken
Bereite deine Nägel vor. Reinigen Sie Ihren Nagel und entfernen Sie ggf. alten Nagellack. Schneiden und feilen Sie Ihre Nägel in eine Form, die Ihnen als nächstes gefällt. Schließe es ab, indem du deine Nagelhaut zurückdrückst und etwas Nagelhautöl aufnimmst.

Erwägen Sie, den Bereich der Nagelhaut mit Vaseline abzudecken. Dies erleichtert die Reinigung. Wenn du mit deinen Nägeln fertig bist, musst du nur noch das Mineralöl-Gelee abwischen, zusammen mit allen Fehlern. Du kannst stattdessen auch weißen Schulkleber verwenden, aber lass den Kleber trocknen, bevor du mit dem Lackieren deiner Nägel weitermachst.

Tragen Sie eine Basisschicht auf. Das ist ein Muss. Auch wenn Sie weißen Nagellack als Grundfarbe verwenden werden, wollen Sie Ihre Nägel trotzdem schützen. Die Basisschicht hilft auch, dass Ihre Maniküre länger hält.

Tragen Sie 1 bis 2 Schichten weißen Nagellack auf Ihren Nagel auf. Du kannst stattdessen auch eine warme, gebrochene weiße Farbe verwenden. Sie können diese Nailart auf jedem Nagel, jedem anderen Nagel oder nur einem Akzentnagel verwenden. Wenn du kein Karo-Design machen willst.

Wie man eine aufblasbare Hot Tub Punktion repariert

Aufblasbare Whirlpools können und werden über einen längeren Zeitraum Leckagen entwickeln. Lecks können von einer Person zu Hause repariert werden, und Sie können die entsprechenden Artikel bei Ihrem örtlichen Händler finden, der diese Art von Wannen verkauft. Wenn Lecks entstehen, ist es viel billiger, die Pflaster zu kaufen und sie zu Hause selbst zu reparieren, als eine brandneue Wanne zu kaufen.

Hilfe! Mein Lay-Z-Spa entleert sich weiter!
Es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass die weitere Verwendung Ihrer aufblasbaren Whirlpool, ohne sie zu reparieren, einen noch größeren Schaden anrichten kann. Daher wird empfohlen, den Schaden sofort zu beheben, um zu verhindern, dass weitere Probleme mit Ihrer Wanne entstehen.

Aufblasbares Whirlpool-Reparaturset
Wenn du kein Reparaturset für Whirlpools hast, dann empfehlen wir dir, dieses hier zu kaufen.

Aufblasbarer Spa Whirlpool Reparatursatz
Bei der Reparatur Ihres Whirlpools sind keine besonderen oder technischen Fähigkeiten erforderlich, es ist eine so einfache Aufgabe, dass jeder sie ausführen kann. Es gibt nur ein paar Dinge, die Sie benötigen, um den Reparaturprozess abzuschließen, wie z.B. einen aufblasbaren Vinyl-Poolaufnäher, Wasser, Papierhandtuch, Geschirrseife und eine Sprühflasche.

Bevor Sie einsteigen und versuchen, das Leck zu reparieren, müssen Sie sicher sein, dass Sie das Leck richtig lokalisieren und reparieren. Der günstigste Weg, ein Leck zu finden, ist das Spritzwasser, das mit etwas Seife gemischt wird, und die Außenseite des Whirlpools zu besprühen.

Die Position des Lecks wird Blasen bilden, so dass Sie es leicht identifizieren können. Nachdem Sie die Aufgabe der Lecksuche erfüllt haben, lassen Sie die gesamte Luft aus der Wanne und verlieren Sie nicht die Stelle, an der sich das Leck befindet. Sobald der Whirlpool vollständig entleert ist, nehmen Sie als nächstes ein Papiertuch und wischen Sie ihn um die Stelle des Lecks herum, bis er vollständig trocken ist. Dadurch wird sichergestellt, dass der Klebstoff am Becken haftet.

WIE MAN EINE UNDICHTE STELLE IM WHIRLPOOL REPARIERT.

Jede Badewanne hat verschiedene Anwendungsmodi, daher ist es vorteilhaft, die Anweisungen des Herstellers zu lesen, damit Sie den richtigen Klebstoff für die Reparatur kaufen können. Achten Sie jedoch darauf, die Anweisungen sorgfältig zu lesen und zu befolgen, damit Sie sie ordnungsgemäß reparieren können. Stellen Sie sicher, dass der Klebstoff einige Minuten Zeit hat, um richtig zu kleben, bevor Sie ihn wieder mit Wasser füllen.

Sie wollen keinen Druck in der Wanne ausüben, bis das Pflaster an der richtigen Stelle ist. Sobald Sie es wieder aufgefüllt haben, können Sie die Außenseite der Wanne wieder mit der Seifen- und Wasserlösung besprühen. Wenn Sie keine Blasen von der Stelle des Pflasters kommen sehen, dann bedeutet das, dass Sie das Leck richtig und sicher repariert haben und Ihren Whirlpool wieder benutzen können.

Wenn ein bestway aufblasbarer pool repariert wurde, kann er genauso lange halten wie die Lebensdauer des Whirlpools selbst. Das ist der Grund, warum die Wanne richtig befestigt werden sollte. Es ist ratsam, alle Anweisungen zu befolgen, damit Sie Ihren Whirlpool genießen können, während Sie einen entspannten Abend mit Ihren Freunden und Ihrer Familie verbringen.

Was ist digitale Kunst?

Einige Künstler verwenden Materialien wie Farben und Pinsel, um Kunst zu schaffen. Heute nutzen viele andere auch moderne Mittel zur Erforschung der Kreativität, wie Videotechnik, Fernsehen und Computer. Diese Art von Kunst wird als digitale Kunst bezeichnet.

Digitale Kunst ist ein Werk, das mit digitaler Technologie hergestellt oder auf digitaler Technologie präsentiert wird. Dazu gehören Bilder, die vollständig am Computer erstellt wurden, oder handgezeichnete Bilder, die in einen Computer eingescannt und mit einem Softwareprogramm wie Adobe Illustrator fertiggestellt wurden. Digitale Kunst kann auch Animationen und 3D-Renderings virtueller Skulpturen sowie Projekte beinhalten, die mehrere Technologien kombinieren. Einige digitale Kunst beinhaltet die Manipulation von Videobildern.

Der Begriff “digitale Kunst” wurde erstmals in den 1980er Jahren im Zusammenhang mit einem frühen Computer-Malprogramm verwendet. (Das war lange bevor sie Apps hießen, wohlgemerkt!) Es ist eine Methode des Kunstmachens, die sich für ein Multimedia-Format eignet, weil sie möglicherweise auf viele Arten angesehen werden kann, einschließlich im Fernsehen und Internet, auf Computern und auf mehreren Social-Media-Plattformen. Kurz gesagt, die digitale Kunst ist eine Art Verschmelzung von Kunst und Technologie. Es eröffnet viele neue Möglichkeiten, Kunst zu machen.

Anfänge der digitalen Kunst

Digitale Kunst könnte ohne Computer nicht wirklich existieren. Die Maschinen, die uns heute so vertraut sind, begannen in den 1940er Jahren, als der erste echte Computer, der elektronische numerische Integrator und Computer oder der ENIAC, für militärische Zwecke entwickelt wurde. In den späten 1950er und frühen 1960er Jahren begannen Künstler erstmals, die Möglichkeiten der Kunst durch Computer und verwandte Technologien zu erforschen.

Erste Experimente mit Computerkunst entstanden um 1965. Der deutsche Künstler Frieder Nake (1938 – heute), der auch Mathematiker war, schuf einen Computeralgorithmus, der es der Maschine ermöglichte, eine Reihe von Formen zu zeichnen, um Kunstwerke herzustellen. Ein Algorithmus ist übrigens eine programmierte Liste von Anweisungen, die einem Computer sagt, was er tun soll. Die daraus resultierenden computergenerierten Zeichnungen gehörten zu den ersten Beispielen für Kunst am Computer.

Eines der ersten wirklich digitalen Kunstwerke wurde 1967 von den Amerikanern Kenneth Knowlton (1931 – heute) und Roman Hopp geschaffen. Sie fotografierten eine nackte Frau und verwandelten sie in ein Bild aus Computerpixeln mit dem Titel Computer Nude (Studies in Perception I). Ein Pixel ist ein kleines Element eines Bildes; wenn viele Pixel kombiniert werden, können sie ein größeres, vollständiges Bild erzeugen. Dieser Akt war eines der ersten digitalen Kunstwerke.

DAZE: “DAILY PENDELN”, SOLO IN NYC

Die meisten Menschen pendeln zur Arbeit und zurück. Einige verbringen Stunden im Berufsverkehr, gefangen in ihren Autos. Andere benutzen ihre Fahrräder oder Skateboards oder eine wippende, tosende Fähre. Einige Glückliche gehen einfach weg. In New York City benutzen die meisten Pendler die U-Bahn und die Busse, um zu ihren Büros, Küchen, Geschäften, Klassenzimmern, Campussen zu gelangen, und nach einer Weile verschwindet die Fahrt.
In Zügen und Bussen sind wir wie Sardinen gepackt, vermeiden Augenkontakt, halten uns an unsere Telefone und Bücher oder starren auf unsere Schuhe oder aus dem Fenster. Vielleicht bekommst du einen Sitzplatz, sonst schwingst du dich an einer Silberstange hin und her, stösst gegen andere, beobachtest oder zonierst heraus.
Auf Ihrer Fahrt können Sie Glücksfall, eine Entdeckung, eine frisch gekeimte Idee haben.
Du kannst dich krank fühlen, einschlafen oder durch ein Gespräch am Vorabend gefesselt werden. Kindergesichter gegen Fenster gedrückt, Eltern beim Nickerchen, bei Hausaufgaben helfen, Eyeliner aufsetzen. Schauspieler üben Linien, andere proben Standup-Routinen. Die Lust wird geweckt, die Liebe blüht, die Einsamkeit schmerzt.
Der Akt des Pendelns in New York ist selten einsam. Oder ruhig.
Der Künstler Daze, ein lebenslanger New Yorker, hat sich wie viele andere Autoren in den Bahnlinien inspirieren lassen und Details genossen und auswendig gelernt. Seit er in den goldenen 70er-80er-Jahren Züge besteigt hat, hat er seine Liebe zum täglichen Pendeln und zu den Millionen von Besonderheiten nie verloren. Jetzt, in seiner ersten Einzelausstellung in New York City, kehrt Daze zu den U-Bahnen und Straßen zurück, um sich inspirieren zu lassen, mit Lebendigkeit und Farbe und ein paar zerklüfteten Kanten.
Für “Daily Commute” besucht der Künstler wieder einige vertraute Orte und würdigt bekannte und unbekannte Charaktere in gewohnter Weise jemandem, der die Stadt sehr gut kennt, ohne Herablassung oder Sentimentalität, aber mit dem Respekt vor einer Stadt, die einen mitnimmt und schüttelt und wegwirft und einen umarmt und umarmt und tröstet und einem eine Zeile aus einem Stück oder einem Gedicht vorliest. Wenn du Glück hast.

Bilder der Woche

brooklyn arts

Willkommen bei BSA Images of the Week. Normalerweise geben wir dir am Sonntag eine Hitparade mit verschiedenen Teilen auf der Straße, damit du mit der Bewegung auf der Straße in Verbindung bleiben kannst. An diesem Sonntag betrachten wir Work-in-Progress-Bilder von nur einem großen Stück des New Yorker Street Artists BKFoxx, einem Künstler der aktuellen Wandmalerei-Generation, der sich von Werbung, Popkultur und Fotografie inspirieren lässt und sie zu einem polierten Foto-Hyperrealismus verschmilzt.
Ein gelegentlich formal ausgebildeter Künstler, der sich den vielen professionell ausgebildeten Künstlern anschließt, die sich die Zeit für die aktuelle juristische Wandgestaltung genommen haben. Jetzt reist sie um die ganze Welt, um auf Festivals zu malen und Wände in New York aufzustellen. Sie ist offen über ihre aktuelle Heimat in Long Island und ihre Wurzeln und erzählt kürzlich von der Graffiti Street: “Ich komme aus den Vororten. Ich wurde in einem Kulturvakuum aufgezogen, also versuche ich nur zu lernen, während ich gehe. Es ist schrecklich.”
Es ist ein entwaffnendes Eingeständnis vielleicht für die Hardcore-Graffiti-Szene, die einst die New Yorker Straße charakterisierte, aber eine ansonsten perfekte Position für eine globalisierte kulturelle Hierarchie, die durch allgegenwärtige digitale Kommunikation, die Grenzen verwischt, platt gemacht wurde. Es ist eine gesunde Botschaft: Wir alle versuchen zu lernen, also bring dein bestes Spiel mit.
Wir haben unter den späten Millenials und ersten Ausreißern von Gen Z eine gewisse erfrischend geradlinige Haltung gefunden, die dieser “alten” Straßenordnung nicht unbedingt widerspricht. Stattdessen scheinen sie bereit zu sein, sich der Neuen Ordnung des Spätkapitalismus mit den Kommunikationsmitteln zu stellen, die sie auf ihrem Weg gesammelt und verfeinert haben.

Während es von Kritikern der 1. Welle (80er-90er Jahre) und 2. Welle (90er-00er-10er Jahre) der Graffiti/Street Art viel Händeringen über die explodierende Wandbewegung aus Gründen gegeben hat, die auf der hart erkämpften rauflustigen Glaubwürdigkeit (und etwas Nostalgie) auf der Straße beruhen, diskutiert niemand die starke Wirkung der Neuen Muralismen weltweit auf den öffentlichen Raum, auch wenn es noch keinen nennenswerten kritischen Diskurs gibt. Von den alten Rebellen, die zu Torwächtern wurden, gibt es eine bewachte und qualifizierte Wertschätzung, ja, aber wahrscheinlich werden nicht genug Requisiten für den neuen Raum gegeben, den dieser Muralismus für mehr Künstler und Stimmen schafft.
Mit einem kommerziellen Blick auf die natürliche Welt und größere gesellschaftliche Themen wählt BKFoxx Themen aufgrund ihrer emotionalen Wirkung und ihrer Fähigkeit, sie leicht zu übersetzen, für ein bilderfahrenes Publikum, dessen endlose Stunden persönlicher Bildschirmunterhaltung eine Erwartung für Hollywoods und die Glätte der Konsumkultur mit hohen Produktionswerten im Big-Budget geweckt haben.

Die Judenbank

Reinhold Massag

Mit Michael Stacheder als Dominikus Schmeinta

Premiere
Herbst 2013 am Kleinen Theater Haar

Dominikus Schmeinta ist in einem kleinen deutschen Dorf namens Ottersdorf geboren und aufgewachsen. Jahre später, als er eines Tages die Heugabel nicht mehr heben konnte, wurde er bei der Reichsbahn als Fahrdienstbeobachter eingestellt. Tag ein, Tag aus, Jahr ein, Jahr aus sitzt er auf einer Bank und zählt die Wagons der vorbeifahrenden Züge. Eines Tages findet Minikus ein festgeschraubtes Schild auf seiner Bank: „Nur für Juden!“ Was nun? Er ist kein Jude. Bisher war diese Bank ein wichtiger Bestandteil seiner Arbeit, seines Lebens. Eine Arbeitsbank war sie und jetzt ist sie ein unnützer Gegenstand, weil keiner darauf sitzen darf, nur die Juden. In Ottersdorf gibt es aber gar keine Juden. Die Rettung der Judenbank erhebt sich zu Dominikus Lebensaufgabe. Er bewegt alles Erdenkliche für seine Bank. Wenn es sein sollte, wird er dafür zu einem Juden.

Hinter der Fassade von Reinhold Massags irrwitzig-traurigem Volksstück steckt mehr als nur Dominikus‘ Kampf um seine Bank. Eine nahezu unbedeutende Sache, das Anbringen eines Schildes auf einer Bank, wird von dem Autor zum Anlass genommen, das Leben von Dorfbewohnern und gespalteten Familien in Hitlers Deutschland zu schildern. Trotz des ernsthaften und auf keinem Fall lächerlichen historischen Hintergrunds bringt Dominikus das Publikum immer wieder zum Lachen.

Besetzung Michael Stacheder als Dominikus Schmeinta + 1 Techniker

Tourneezeiträume
ab Juni 2013 ganzjährig buchbar

ERRE IN KOLUMBIEN

art

Bei nächtlichen Ausflügen in die größere Metropole haben sie und einige Gefährten politische Themen ihrer punkig inspirierten Grafiken genutzt, um die soziale Einstellung zu Korruption, Heuchelei, Rasse und Geschlechtergleichstellung voranzutreiben.
Mit starken weiblichen Figuren, die Selbstvertrauen und Rock and Roll schreien, können Sie sehen, dass das ERRE dazu beiträgt, die Art von Heldinnen zu definieren, die sie bewundert, die Veränderungen vornehmen und aktiv daran mitwirken.
Nachdem sie Toxicomano bei der Fertigstellung seines großen Wandbildes für dieses Projekt unterstützt hatte, hatte Erre etwas Zeit, um in dieser Destillerie einige ihrer besten Plätze zu erreichen. Manchmal arbeitete sie freihändig, und manchmal grub sie sich in die Schablonen, die sie typischerweise an den Wänden in Bogotá hinterließ.
Wir stellten ihr ein paar Fragen über ihre Arbeit.
Brooklyn Street Art: “Unete Al Disorden”. Was bedeutet das?
Erre: “Join the chaos” – oder so ähnlich. Ich lade die Leute ein, mitzumachen.
BSA: Seit wann machst du Kunst für die Straße?
ERRE: Meine erste Schablone war vor etwa 10 Jahren und ich habe viele Schablonen in meiner Heimatstadt Zipaquirá gemacht.
Vor etwa fünf Jahren beschloss ich, mit dem Malen zu beginnen, und ich habe mich dieser Arbeit verschrieben.
BSA: Benutzt du immer Schablonen?
ERRE: Ich male immer mit Schablonen, aber manchmal mache ich eine Ausnahme und mache ein Stück von Hand.
BSA: Kannst du über die Schablone sprechen, die du hier gemacht hast und die eine Botschaft der Ermächtigung für Frauen und Mädchen zu sein scheint?
ERRE: Ja, für Frauen in Kolumbien gibt es ein großes Problem – wirklich in ganz Lateinamerika – mit den Rechten der Frauen. Sie erhalten keinen gleichen Lohn für gleiche Arbeit, sie erhalten nicht genug Respekt. Es gibt eine starke Kultur des “Machismo”, die bei den Männern die ganze Zeit existiert. Ein Großteil meiner Arbeit ist also darauf ausgerichtet, Frauen zu stärken.
BSA: Woher bekommst du Inspiration für deinen Stil?
ERRE: Ich glaube, ich lasse mich sehr von Cartoons und solchen Illustrationen inspirieren. Ich zeichne alle Entwürfe in einer kleineren Größe mit dem Computer, ich vergrößere sie für diese Arbeit.

Damit wir uns nicht verlieren

Lesung aus dem Briefwechsel von Sophie Scholl und Fritz Hartnagel

Herausgegeben von Thomas Hartnagel

Es lesen Theresa Hanich und Michael Stacheder. Am Klavier Frank Selzle.

Im Winter 1942/43 kämpfen Sophie und Hans Scholl mit den Flugblättern der »Weißen Rose« gegen das NS-Regime. Zur selben Zeit ist Fritz Hartnagel, Offizier der deutschen Wehrmacht, im Kessel von Stalingrad eingeschlossen. Als er im Lazarett Sophies letzten Brief erhält, ist das Todesurteil gegen sie bereits vollstreckt. 1937 begann die Freundschaft, die Liebe zwischen der sechzehnjährigen Schülerin und dem jungen Leutnant. Zusammensein und Gespräch mussten oft durch Briefe ersetzt werden: Sie spiegeln alle Phasen dieser außergewöhnlichen Beziehung, die gegensätzlichen Auffassungen der beiden, wie ihr Bedürfnis nach Nähe, ihr Bemühen, innere Freiheit und die Fähigkeit zu verantwortlichen Handeln zu erwerben – und zu bewahren, »allen Gewalten zum Trotz«.

Meine liebe Sofie! (…) Du bringst mich in einen großen Konflikt, wenn Du mich nach dem Sinn des ganzen Blutvergießens fragst. Vor zwei Jahren hätte ich Dir vielleicht eine Antwort darauf geben können, wo ich glaubte, ausgereift zu sein. Aber heute komme ich mir vor wie ein kleiner Junge, der am Anfang seiner Entwicklung steht. Daran bist zum großen Teil Du schuld. Und ich bin froh darum. (…) Fritz Hartnagel, 13.9.1939

Mein lieber Fritz! (…) allzu lange halte ich’s mit einem einzigen Menschen nicht aus. Versteh mich nicht falsch! Aber wenn man nur mit einem Menschen verkehrt, übt dieser einen zu großen Einfluss aus. Sobald jemand Ansprüche stellt, werde ich, glaube ich, sehr empfindlich. Du weißt es wohl auch, es gibt Stunden des Alleinseins, die wiegen alle die Tage auf, in denen man sich gesehnt hat nach einem Menschen. Dann erscheint das Rücksichtslose als das Wahre und Mitleid als Schwäche. Es ist sehr möglich, dass ich schwach bin. (…) Sophie Scholl, 29.10.1939

Bewegende Liebesbriefe, geschrieben unter schwierigsten Bedingungen.
Ein aufrüttelndes menschliches und historisches Dokument.

Tourneezeiträume
Ganze Spielzeit buchbar

Die Weiße Rose

Aus den Archiven des Terrors
Jutta Schubert

Inszenierung, Bühne und Kostüme Michael Stacheder
Mitarbeit Kostüme Mario Schönmann
Licht Solveig Perner und Stefan Bettinger
Dramaturgie Krisztina Horváth

Uraufführung
30. September 2004, Reithalle München
Premiere der Neueinstudierung
10. April 2008, Kulturhaus Bosco Gauting
Aufführungsrechte Theaterstückverlag München

In der Münchner Studentenkompanie begegnen sich im Jahre 1940 die beiden Medizinstudenten Hans Scholl und Alexander Schmorell. Aus der intensiven und ungewöhnlichen Freundschaft der beiden jungen Männer und ihrer kritischen Einstellung zum herrschenden Regime erwächst der zunächst passive, dann aktive Widerstand gegen den Nationalsozialismus, der unter dem Namen „Die Weiße Rose“ berühmt werden sollte. Was mit einem getippten Flugblatt begann, wird zu einer gedanklichen Macht, die sich vorgenommen hat, den Nationalsozialismus zu stürzen. Am 18. Februar 1943 wird Hans Scholl zusammen mit seiner Schwester Sophie, beim Auslegen des VI. Flugblattes von der Gestapo in der Universität München verhaftet. Ein paar Tage später, am 22. Februar 1943 werden Hans und Sophie Scholl, zusammen mit dem Freund Christoph Probst vom Volksgerichtshof zum Tode verurteilt und am selben Tag durch das Fallbeil ermordet.

Michael Sacheders Inszenierung trägt nicht nur zur Würdigung und Erinnerung an die Weiße Rose als Widerstandsgruppe, als ein Stück Deutscher Geschichte bei, sondern will der Frage nachgehen, wer die jungen Menschen waren, die nicht nur von einem besseren Deutschland träumten, sondern sich aktiv dafür einsetzten und konzentriert sich auf die Menschen und Persönlichkeiten hinter den historischen Figuren.

Besetzung 3 Damen, 7 Herren + 1 Techniker + 1 Gastspielleitung
Aufführungsdauer 2 Stunden 45 Minuten, eine Pause

Tourneezeiträume
01.10.2012 bis 21.10.2012
04.02.2013 bis 28.02.2013

Stimmübungen für SchauspielerInnen

Bevor Clark Gable als “The King of Hollywood” bekannt wurde, verbrachte er Jahre damit, seine Stimme konsequent zu trainieren. Seine natürlich hohe Stimme wurde durch eine bessere Körperhaltung, Körperkontrolle und Atmung gesenkt. Schließlich entwickelte er den berühmten Bariton, der eine der berühmtesten Dialoglinien Hollywoods aussprach: “Ehrlich gesagt, meine Liebe, es ist mir scheißegal.” Giebel ist ein Beispiel dafür, wie die Stimme eines Schauspielers durch richtiges Training und Verständnis verbessert werden kann.

Grundlegende Mechanik der Stimme
Menschen sind lärmende Maschinen. Wir haben die Anatomie weiterentwickelt, um Bedeutung durch vibrierende Luft zu erzeugen. Es ist hilfreich für einen Schauspieler, die Mechanik seiner Stimme zu verstehen, um am effektivsten zu trainieren.

Jede menschliche Klangerzeugung beginnt mit der Atmung. Unser Zwerchfellmuskel zieht sich nach unten und unser Brustkorb dehnt sich nach außen aus, so dass sich unsere Lunge mit Luft füllt, die nach oben gefüttert werden kann, um unsere Stimmbänder zu vibrieren.

Schauspieler verwenden ihre Stimme, um Emotionen nach außen zu projizieren, indem sie sie sie mit Körperbewegungen kombinieren, um Text zu interpretieren und eine Geschichte zu präsentieren. Aus diesem Grund kann die Stimme nicht als isolierte Fähigkeit betrachtet werden, sondern als eine Fähigkeit, die eine Koordination des gesamten Körpers erfordert. Somit ist es wichtig Stimmübungen für Schauspieler anzuwenden:

Atmung
Alle Stimmlaute beginnen mit einem Atemzug, so dass gute Atemgewohnheiten die Grundlage für eine gute Stimme sind. Stellen Sie sich vor, dass jeder Atemzug mit jedem Einatmen in Ihre Lungen hinuntergeht und bei jedem Ausatmen nach oben gedrückt wird. Die Akteure sollten während der gesamten Atmung und des Sprechens entspannt bleiben und versuchen, Spannungen im Nacken, den Schultern, dem Kiefer, dem Rücken und dem Bauch abzubauen.

Haltung
Die beste Stimme entsteht, wenn die Körperhaltung aufrecht und doch entspannt ist. Bei Atem- und Stimmübungen sollte die Wirbelsäule gerade sein, der Kopf nach vorne und die Krone des Kopfes parallel zur Decke. Diese Haltung unterstützt die Atmungsorgane des Körpers, damit er reibungslos funktionieren kann.

Aufwärmübungen
Vor Beginn der Stimmübungen ist eine gute Aufwärmübung wichtig. Ein langes und langsames Aufwärmen ermöglicht es den Muskeln, sich zu aktivieren und kann die Belastung während einer Performance oder Trainingseinheit reduzieren.

Schauspieler können damit beginnen, ihre Zunge zu strecken. Streck die Zunge aus, zeige nach oben und unten. Strebe die Zunge hinter die vorderen unteren Zähne und drücke die Mitte heraus. Massieren Sie die Muskeln von Kiefer und Gesicht, um die Spannung weiter zu reduzieren. Dehne den Hals leicht, indem du dich an die Seiten lehnst, vorne und hinten.

Beginnen Sie, leise und langsam Geräusche zu machen. Streck deine Zunge aus und keuche wie ein Hund, um deinen Atem zu öffnen. Um die Spannung in den Lippen und Wangen zu reduzieren, klappen Sie Ihre Lippen, indem Sie Luft blasen und einen “BEE” oder BRR” Sound erzeugen.

Gähnen Sie weit, um den Kiefer zu dehnen. Lächle, während du gähnst. Seufze so lange du kannst.

Andere Stimmübungen
Schütteln Sie die Spannung heraus und verbinden Sie den Körper mit der Stimme mit dieser einfachen Übung…..

Beugen Sie sich an der Taille und lassen Sie Ihre Arme frei hängen. Beginne mit dem Schütteln der Arme, während du das “AH” Geräusch machst. Während du stehst und Körper und Arme schüttelst, reise durch deinen gesamten Stimmumfang, bis du stehst und schüttelst deine Arme an deinen Seiten. Wiederholen Sie dies mit allen Vokallauten.

Als nächstes trainieren Sie Ihre Stimme, indem Sie einen “MMM”-Klang mit geschlossenen Lippen erzeugen. Halten Sie den “MMM”-Sound so lange wie möglich konstant. Als nächstes öffnen Sie Ihren Mund und lassen Sie ein “A” los. Denke daran, das “A” wie einen Pfeil durch den Raum zu schießen. Wiederholen Sie dies mit allen Vokallauten.

Schließlich arbeite an der Artikulation mit einigen lustigen Zungenbrechern:

Ob das Wetter kalt ist, oder ob das Wetter heiß ist, wir sind bei jedem Wetter zusammen, ob es uns gefällt oder nicht.
Serious Sally verkauft Muscheln an der salzigen Küste.
Rotes Leder, gelbes Leder, rotes Leder, gelbes Leder, gelbes Leder…..
Textarbeit ist eine weitere großartige Möglichkeit, Ihre Stimme allein oder vor einer Aufführung zu trainieren. Lies oder rezitiere deinen Text laut vor und konzentriere dich auf deinen Atem und deine Stimme. Ändern Sie die Übung, indem Sie die Worte übermäßig verkünden, flüstern und laut sprechen. Durch die Arbeit mit Ihrem Text können Schauspieler neue Emotionen und Absichten entdecken und gleichzeitig ein spezifisches Muskelgedächtnis für den Text in ihrer Stimme entwickeln.

Regelmäßige Stimmübungen sind für die Akteure von größter Bedeutung, um ihre Stimme und ihren Körper vollständig zu verbinden. Verwenden Sie diese Übungen, um zu beginnen und nach Stimmtrainingskursen und Workshops zu suchen. Jede Top-Schule wird Stimmarbeit als Teil ihres Lehrplans haben.

Die Entwicklung einer natürlichen Stimme wird die Leistung eines jeden Schauspielers mit Wahrheit und emotionaler Flexibilität bereichern. Trainiere deine Stimme, so zu sprechen, als ob es dir egal wäre.